Magma, En Vivo...

Nunca pensé que este día llegaría, esta es una de las bandas que uno cree que jamás verá en vivo ya que (hay que decirlo) por este lado del mundo no se aprecia como se debería, eso que estos genios crean y expresan.

Y la verdad, nunca pensé que me costaría tanto escribir sobre mi banda favorita. Es muy difícil expresar en palabras lo que sentí en el momento en que estos músicos saltaron a escena y nos dieron, a todos los asistentes, una de las clases de música más magistrales que cualquier ser humano podría haber presenciado.

Este review describe según mi perspectiva el Show (en Santiago de Chile, el día 8 de diciembre) de Magma una banda de Kobaïa Francia que con más de 40 años de una legendaria trayectoria aterrizó en tierras nacionales para transportarnos hacia un viaje inolvidable.

Dicho viaje comienza pasadas las 20:15 Hrs, cuando suenan los primero acordes de "Félicité Thösz" canción del disco titulado de la misma forma, que, a diferencia de otros trabajos de Magma, sale un poco de la mística y la oscuridad para entregarnos sonidos mucho más alegres, que sin vientos de bronce al igual que el trabajo de estudio dejan como protagonista a los maravillosos trabajos vocales de Stella Vander, esposa y compañera musical del cerebro de Magma, el tremendo baterista Christian Vander. Esta pieza de 28 minutos nos lleva por pasajes con líneas de bajo y de piano muy intensas además de hermosas melodías vocales que son capaces de erizar la piel de cualquiera. Los puntos altos a mi parecer son los movimientos "Dzoi", "Teha", "Duhl", la magnificencia de "Tsai" donde la ejecución fue incluso mejor que en el registro de estudio. La voz masculina de esta encarnación moderna de Magma no flaqueó en ningún momento y se puso al nivel de las expectativas que todos teníamos de la banda, este señor Hervé Aknin que además fue maestro de ceremonias durante nuestra transición, en cortas y metafóricas interacciones con los fanáticos logró un feeling super especial que fue agradecido por todos nosotros. "Félicité Thösz" fue una gran manera de comenzar, que nos demostró que pese a tener poco menos de medio siglo de existencia el señor Vander aún puede crear maravillas como esta.

La segunda canción de la noche como lo explicó Aknin es una que estará dentro del próximo registro de estudio de la banda (Sí, todavía les quedan baterías) canción de nombre “Axïum” que por cierto fue escuchar al Magma de antaño con mucha más energía, devolviéndonos a la vanguardia de fines de los años 60, y si todo el disco sonará como esta pieza créanme que será un verdadero deleite.

Cuando nuestro ya citado maestro de ceremonias dijo lo siguiente: "esta es una de las piezas fundamentales de Magma" fue silenciado por la eufórica audiencia que ya sabía lo que venía y creo que todos la esperábamos, se escuchaban entonces los alocados sonidos iniciales de "Mekanïk Destruktïw Kommandöh" una notable obra de 38 intensos minutos, donde a duras penas todos coreábamos (o al menos lo intentábamos) el inentendible Kobaïano, idioma interpretado por los tres excelente  vocalistas en escena: Stella Vander, Isabelle Feuillebois y Hervé Aknin. 

Una pieza con muchos cambios de intensidad y variaciones rítmicas de alta complejidad, solo se podía cerrar los ojos y disfrutar el momento. Esta pieza contiene el sonido oscuro y alocado clásico de la banda, con toques de Psicodelia y mucho, pero mucho Prog. Los puntos altos de esta canción son: el inicial "Hortz Fur Dëhn Štekëhn Ẁešt",  "Kobaïa Is de Hündïn" más profunda y de avance algo más rápido y dinámico, "Nebëhr Gudahtt" que con potentes voces al final que demuestran un verdadero frenesí musical y para mí, lo más espectacular de esta pieza el movimiento titulado "Mëkanïk Kömmandöh" un verdadero trance, donde cerré mis ojos y me dejé llevar por la envolvente melodía. Al finalizar esta pieza se marcó la primera salida del escenario por parte de la banda, donde todos extasiados aplaudimos a la maestría y a esta oda a la música de manera muy frenética, todos estábamos de pie esperando que POR FAVOR!! lo que habíamos visto no fuera el final.

Luego de aproximadamente 10 minutos de aplausos y  gritos, los maestros vuelven al escenario del teatro, donde tuvimos una interacción con Stella Vander quién, en inglés, nos decía que nosotros los asistentes tendríamos un regalo más. Y ese regalo era la inmortal "Kobaïa", canción que le da el titulo al primer álbum, a ese planeta ficticio, y a ese idioma creado por el Gran Vander (quien no se dignó a realizar ninguna interacción con el público; en ese sentido muy frio; ya que ni siquiera para cantar salió de su cubículo detrás de la batería). Esta pieza tuvo como reemplazo de los bronces de viento las voces de Stella e Isabelle. Con un avance mucho más Jazzístico que los trabajos posteriores  este verdadero clásico de 1970 (que dio el puntapié inicial a una corriente musical que sacó muy buenas bandas sobre todo en Francia y en varios países de Asia llamada Zeuhl) fue la manera de dejar inmediatamente prendidos a todo el teatro Caupolicán. Fue un final verdaderamente perfecto.

Ahora puedo morir tranquilo, a pesar de haber quedado con gusto a poco tuve el privilegio de ver a estos extraterrestres a este culto al expresionismo y es que magma representa a la música que viene del interior del ser mismo, capaces de distorsionar la realidad y abrir la mente a ese afán de experimentar sin límites. Fue una experiencia increíble, y esperaré con ansias el nuevo disco además de una posible gira, a la que iré sin pensarlo dos veces.

Setlist:

1. Félicité Thösz                  
2. Axïum
3. Mëkanïk Dëstruktïw Kömmandöh
4. Kobaïa

Integrantes:

• Stella Vander: Voz, percusiones
• Isabelle Feuillebois: Voz, percusiones
• Hervé Aknin: Voz, percusiones
• James Mc Gaw: Guitarra
• Benoit Alziary: Vibráfono
• Jérémie Ternoy: Piano
• Philippe Bussonet: Bajo
• Christian Vander: Batería, voces

Meshuggah, En Vivo...

Hace un par de meses (agosto para ser exacto) una gran noticia para el público latinoamericano se dio a conocer en cuanto al metal internacional respecta.

Una banda que nunca había visitado estos sectores del planeta, venia por primera vez, y pese a cargar con 26 años de carrera, se presentaba (quizás) en su mejor momento. Hablo claramente de "Meshuggah" que llegaba a estas tierras australes a mostrarnos un aplastante Show del cual fui testigo.

Al ser una de las pocas bandas "extremas" que me gustan y al conocer desde hace mucho su discografía; además de haber visto el registro en vivo "Alive" ya me hacia una idea muy cercana (erróneamente) de lo que estos suecos nos demostrarían. Pero créanme que con solo la primera canción mis autogenerados parámetros se fueron al carajo.

El Show comenzó puntualmente a las 21 Hrs, con una canción de su última placa "Koloss" (que aportó con 5 canciones durante la presentación) titulada "Swarm" donde desde principio a fin (y como fue la tónica del concierto) fue demostrada la calidad técnica, un aplastante sonido y un juego de luces espectacular -sin exagerar- no apto para epilépticos.

"Combustion" fue la siguiente, en este caso del disco "Obzen" (que también aportó con 5 canciones) y que con su velocidad dio pie para que comenzaran a notarse los primeros Mosh en el sector Cancha del teatro Caupolican, recinto que estaba completamente repleto en todos los sectores.

Esta aplanadora europea continuaba sin descanso, y sin dejarnos siquiera tomar un respiro, ya que inmediatamente después de "Combustion" hace su aparición "Rational Gaze" coreada con los estremecedores gritos del público que hacían pensar que el maldito recinto se venía abajo.

"ObZen", la homónima del disco del 2008 fue un verdadero cañonazo, de gran intensidad (una de las que más disfruté), y que al finalizar nos dejó uno de los pocos momentos de interacción que la banda tuvo con los espectadores, donde el vocalista Jens Kidman agradeció al público (tremendo público, humildemente ) y después de un: "Están listos!!" comienzan a sonar los tétricos Riff de "Lethargica", algo más lenta pero no por eso menos “cabeceable”.

La errática "Do Not Look Down" que no está dentro de mis favoritas ni de Koloss ni de la discografía de Meshuggah, debo reconocer que voló mi cabeza y la disfruté como si hubiera sido un clásico. Ya en este punto, el público estaba completamente extasiado, no se necesitó de una banda de apertura para lograrlo. Era tanta la expectación por ver a este quinteto que hasta esas canciones que quizás no eran las favoritas ni preferidas se disfrutaron de todas maneras.

"The Hurt that Finds You First" fue una veloz manera de alocar a los asistente, que disfrutábamos como el gran baterista Tomas Haake marcaba los tiempos de esta alocada sesión de 5 minutos y medio de puro sonido demencial.

"I Am Colossus" se escuchó como su nombre lo insinúa, y fue la antesala perfecta para lo que se venía: una Pseudo suite compuesta por dos canciones brutales, dos canciones que son de mis favoritas de la banda, una de ObZen y otra de Koloss, la ya clásica "Bleed" y la impresionante "Demiurge" estas me dejaron con un dolor de cuello que duró dos días porque no fui recatado al momento de disfrutarla, es que fue un momento tan perfecto dentro del concierto que tenía que hacerlo así, las dos fueron interpretadas de manera Sublime y magistral, con toda la maestría que se podía esperar, el juego de luces en Bleed lo hizo más orgásmico aún. Quedé en shock y completamente desorientado.

"New Millenium Cyanide Christ" se escuchó rápida y potente, es casi un clásico, con una interpretación verdaderamente estimulante en lo auditivo y visual.

La siguiente canción es la que cierra el penúltimo trabajo de los suecos, gran canción, oscura, de avance lento y con una atmósfera aterradora "Dancers to a Discordant System" nos venía a avisar que el Show se acercaba a su fin, ya que cuando finalizó, marcó la primera salida de la banda.

A estas alturas, el público estaba enardecido, coreando el nombre de la banda, y esperando el Encore con ansias. Público que fue silenciado por los tronadores sonidos de guitarra de "Mind's Mirrors" del disco Catch 33 (uno de mis favoritos) lo que dio paso a su sucesora natural "In Death - Is Life" una demoledora canción que con solo 2 minutos es capaz de dejar convulsionando a cualquiera, y esta Suite no estaría completa sin "In Death - Is Death" de poco más de 13 minutos, donde en uno de los fragmentos instrumentales, la voz de Meshuggah: Jens Kidman deja el escenario y vuelve con una cámara fotográfica para dejar plasmado el intenso momento -en unas cuantas postales- del publico Chileno saltando de forma desquiciada.

Lamentablemente este fue el fin, demasiado poco para tantos años de espera, y demasiado espectacular para haber durado tan poco. Es curioso, mientras la gente pedía una canción más (la mayoría coreábamos "Future Breed Machine") por casi 20 minutos no veíamos luces que de que aquello fuera a suceder. Aun así, la banda salió una vez más al escenario pero no para tocar otra canción, si no que para inmortalizar el momento junto al Staff que disparaba sus Flashes hacia el publico con la banda en el escenario y con una bandera nacional. Sonaba de fondo "The Last Vigil" el cierre la última placa, pero nadie le prestaba atención. Todos animaban a la banda a que nos regalara un poco más de su aplastante sonido. Y Todo fue en vano, los músicos dejaron el escenario, los técnicos desarmaban la mesa de sonido y desmantelaban la escenografía. Esto de verdad había terminado y no nos queríamos ir.

Qué más puedo decir? Bestiales, Brutales, Perturbadores, Poderosos, Demoledores, Arrolladores, Aplastantes, todo esto es poco, Los Suecos de Meshuggah fueron simplemente "Kolossales"

SetList: 

1.            Swarm

2.            Combustion

3.            Rational Gaze

4.            obZen

5.            Lethargica

6.            Do Not Look Down

7.            The Hurt that Finds You First

8.            I Am Colossus

9.            Bleed

10.          Demiurge

11.          New Millennium Cyanide Christ

12.          Dancers to a Discordant System

Encore:

Mind's Mirrors

13.          In Death - Is Life

14.          In Death - Is Death

The Last Vigil

Anathema, en vivo...

Teatro Caupolicán; Santiago de Chile, aproximadamente a las 21:00 hrs el 10 de octubre del 2013, fueron el lugar, la hora y la fecha del último arribo de los británicos "Anathema" a tierras nacionales.

El motivo? la gira promocional de su aclamado "Weather Systems" que para mí fue sin duda uno de los discos del año 2012, de los más llamativos y llenos de genialidad.

Los oriundos de Liverpool salen a escena con tan solo cinco minutos de retraso, después del coreado nombre de la banda por la audiencia que esperaba con ansias escucharlos nuevamente después de dos años.

Comienzan a sonar entonces los acordes de “Untouchable Pt1” inmediatamente seguido por “Untouchable Pt2”, esta maravillosa Suite del último disco, que alguna vez comenté que si las tocaban ambas me daría por pagado. El publico cantó junto a la banda estas dos primeras canciones como si fueran verdaderos clásicos de la agrupación, suite que resultó tener mucha más energía que en el mismo registro de estudio.

La siguiente canción es del mismo disco, pero había dado por hecho que no la escucharía en el concierto. Resulta que cuando revisé setlist anteriores no la había visto, y cuando compré el nuevo Directo de la banda ("Universal" 2013) tampoco aparecía, pero me sorprendieron cuando escuché sus acordes iniciales. Para mi "The Gathering of the Clouds" es una de mis favoritas de “Weather Systems” y escucharla en vivo, con mucha más potencia fue una experiencia "Eargasmica".

“Lightning song” fue el momento para disfrutar los deslumbrantes trabajos vocales de Lee Douglas quien ya había mostrado su talento en “Untouchable Pt2” que sin problemas logra finalizar esta emotiva canción. 

Con estas cuatro canciones de su último trabajo, ahora damos paso a producciones más antiguas. Es el turno ahora de "Thin Air" del disco "We're Here Because We're Here", marcando la tónica enérgica que se vio durante todo el concierto. Considero que incluso esta versión salió de los parámetros emocionales típicos y se dejan escuchar de forma BRUTAL!!!

A continuación aparece "Dreaming Light" canción que logra erizar la piel en sus melancólicos acordes, con dosis de energía justa. “Deep” del disco “Judgement” fue el primer gran clásico en este concierto, el público se transformó en una sola masa que saltaba al ritmo de la canción en esa estremecedora explosión de poder Sólido, toda la letra cantada por la audiencia que a esas alturas ya no podía estar más Extasiada (o al menos eso pensé).

Del mismo álbum tenemos la Floydiana introducción de “Emotional Winter”, canción que pese a su lento y psicodélico desarrollo terminó con una más que potente instrumentalización, confieso que esta canción me trasladó a otra dimensión, solo cerré los ojos y me dejé llevar. Lo mismo con su sucesora "Wings Of God" donde nos demostraron que en cuanto a calidad técnica, estos británicos son brillantes.

Con la siguiente canción volvimos al presente musical. La batería fue protagonista en "The Beginning at the end" interpretada limpiamente de forma muy potente, con una claridad maestra.

Antes de que comenzara a sonar "A Natural Disaster" fuimos invitados por la banda a emular la portada de su ultimo álbum en directo titulado "Universal" con el escenario a oscuras y el publico con sus Móviles encendidos, que en la potada hacia la parte superior esta imagen se mimetiza con el universo; Lo cual fue la atmosfera perfecta para escuchar esta canción en donde los preciosos trabajos vocales de Lee Douglas se dejaron caer nuevamente en una genial y espacial balada.

Portada de "Universal" (2013)

El enérgico poderío vuelve con "Closer" que comienza con las robóticas voces interpretadas por Vincent Cavanagh que deja de lado su guitarra para crear en vivo esos futuristas sonidos electrónicos.

Para marcar la primera salida de la banda; suena "A simple Mistake" que calmó un poco las aguas antes de los dos encore que se acercaban, al menos hasta la primera mitad de la canción porque claramente la intensidad musical al final de esta pieza crea una atmósfera bastante más pesada con un tremendo Climax.

Luego de un par de minutos, la banda aparece de nuevo en el escenario y sin titubeos comienzan a interpretar "Internal LandScape" la última canción de la última placa, que en vivo se escuchó algo más dura y potente, aunque claro, esta fue la tónica para todas las canciones durante todo el concierto. Maravillosa canción, una de mis favoritas del último disco.

Lo que sigue ahora son fragmentos de las canciones “Shroud Of False”, “Lost Control”, “Destiny” e “Inner Silence” del disco "Alternative 4" que derrocha sentimientos de nostalgia en los presentes que corearon la suite de estas 4 canciones por completo, sin duda, uno de los momentos más emotivos del Show.

(Foto tomada por Claudio Avalos)

Otro clásico, La tremenda "one last goodbye" no podía faltar y se llevó los elogios al unísono de la audiencia que se dejó querer con este dulce regalo. Hasta aquí queda el primer Encore, con la banda dejando nuevamente el escenario y un público enardecido pidiendo más.

En esta vez, la tercera entrada al escenario fue solo con Lee Douglas y Daniel Cavanagh quienes interpretaron de forma maestra "Parisienne Moonlight" corta pero emotiva que dejó el camino servido a "Fragile Dreams"  que comenzó con una sutil introducción con acordes de "Shine On you crazy Diamond" de Pink Floyd esta fue ultima del concierto, que hizo saltar a toda la cancha del recinto; enérgica y mágica manera de despedirse.

¿Qué se puede decir al respecto? con una banda de este calibre es muy poco, cuando un show se demuestra de una manera tan potente, con una presentación llena de energía y una potencia en vivo de niveles sorprendentes, la verdad es que sin ser el fan numero uno de Anathema logré disfrutar a concho el concierto; que tenía un setlist bien organizado; que mostró una tanda de los trabajos contemporáneos de la banda sin dejar de lado sus grandes clásicos. Tal vez lo que se puede decir que jugó algo en contra fue la falta de tecladista fijo y las muy pocas intervenciones de Lee Douglas (que cuando aparecía dejaba boquiabierto a cada uno de los asistentes) quién estuvo de cumpleaños ese día, y que recibió el cariñoso cántico de cumpleaños por parte del público.

Pero insisto, en términos generales fue un gran concierto, que además nos dejó a noticia de que en diciembre tendremos un nuevo disco (según Daniel: "será mejor que el ultimo"). Así que solo queda esperar el nuevo trabajo, y ojalá una pronta venida, a la que iré con muchísimo gusto...

Setlist:

1.     Untouchable, Part 1

2.     Untouchable, Part 2

3.     The Gathering of the Clouds

4.     Lightning Song

5.     Thin Air

6.     Dreaming Light

7.     Deep

8.     Emotional Winter

9.     Wings of God

10. The Beginning and the End

11. A Natural Disaster

12. Closer

13. A Simple Mistake

Encore:

14. Internal Landscapes

15. Shroud of False

16. Lost Control

17. Destiny

18. Inner Silence

19. One Last Goodbye

Encore 2:

20. Parisienne Moonlight

21. Fragile Dreams

Oscuridad y Poder contemporáneo.

Cuando se va a comenzar a escuchar algún disco que no se conoce, lo ideal es hacerlo sin expectativas, después de todo, es la mejor manera de no decepcionarse. A veces, la idea de escuchar nuevas bandas es desechada quien sabe por qué, pero al abrir la mente e intentar con nuevas creaciones, nos podemos encontrar con agradables sorpresas. En mi caso particular, me sucedió con "Anekdoten", una agrupación Sueca de Art/Rock y Prog/Rock,  a cuya discografía tuve acceso hace un par de meses, y no fue hasta la semana recién pasada que les di el debido tiempo para escuchar y analizar su obra.

Grata fue mi sorpresa al encontrarme (en su no tan extenso trabajo) con un disco como "Gravity"(2003). Que al escucharlo y notar su sonido, inmediatamente llega a mi cabeza un compilado de bandas de grueso calibre como: Porcupine Tree, King Crimson, Van Der Graaf Generator, HawkWind, o Dream Theater, aunque claro, tienen un tinte propio y un sello indiscutiblemente genuino, que hace que este hallazgo sea mucho más interesante.

Esta es una obra que nos lleva a un sector más oscuro del prog, que a medida que avanza, podemos ver un arrollador derroche de poder y detalles sutiles, Trabajos vocales bien aprovechados, toques de vibráfono, un agradable abuso de mellotrón y una increíble gama de sonidos electrónicos.

El disco comienza con "Monolith" donde los toques progresivos aparecen de inmediato. Con una energía increíble se da inicio a esta sección de poco más de 6 minutos, que de manera muy versátil complementa los pasajes Psicodélicos en el desarrollo.  Se nota de inmediato el excelente trabajo vocal. Esta es una casi lineal canción adornada con solos de guitarra en la parte central. Los toques de vibráfono también aparecen acá, en los pequeños fragmentos instrumentales .A mi parecer, esta primera canción se muestra como uno de los puntos altos del disco. Enfoque progresivo para los primeros minutos de esta obra, que sorprenden y dejan la vara muy alta para todas sus sucesoras.

"Ricochet" es algo más melancólica que la pieza anterior, el protagonista claramente es el mellotrón, desde el principio dando esos toques espaciales y psicodélicos. Pasando la mitad de la canción, un sonido tecla dístico setentero hace su aparición, dejando en claro que es a ese Rock al que Anekdoten quiere aspirar, pero claro, con tintes contemporáneos. Podemos notar el desarrollo casi minimalista que presenta la pieza, aunque la mejor parte está en la segunda mitad, claramente más intensa. Así, "Ricochet" siendo más simple que su antecesora no deja de ser una tremenda pieza.

Una sobria y lenta balada. Eso representa "The War is Over" otro de los puntos altos que nos deja Gravity, que con el sello característico de la banda se logra transformar en una sorprendente canción. Unos detalles de percusión, arpegios y solos de guitarra acústica acompañan las hermosas armonías vocales que me recuerdan mucho al Grunge de "Alice In Chains". Lineal y minimalista como dije antes, el punto es que en esta canción un elemento que estaba en las otras dos desaparece, y es la psicodelia. Aunque la verdad, no se echa de menos, para nada. Tremenda y desde ya pasa a ser una de mis favoritas.

Oscura desde un principio "What Should but did not die" sin titubeos logra captar mi atención, gracias a su lento avance y la sensación que me deja creer que en cualquier momento explotará en Rock, aunque para que esto suceda tendré que esperar un par de minutos. Es increíble la intriga que produce esta canción, hasta que al minuto 3:40 podemos notar un gran aumento en la intensidad con potentes riff's de guitarra incluso si mi oído no me falla, entre tantos detalles puedo notar un Cencerro!, en fin. Esta canción termina con sus acordes iniciales, la misma tranquila oscuridad con la que comenzó y con un sonido que perturbadoramente se disuelve en el infinito.

"SW4" por su parte, es algo más dinámica, con una constante línea que permanece intacta por varios minutos, el bajo es uno de los protagonistas en esta pieza, y las voces a coro adornar el pasar de los minutos, un trabajo de batería bastante acertado, y muchos sonidos electrónicos. En términos generales, esta canción pasa sin penas ni glorias. Esto es una especie "descanso" porque lo que viene sí que es sobresaliente.

En la Homónima del disco tenemos lo que generalmente se espera de las canciones homónimas. "Gravity", para empezar, es la canción más extensa del disco, comienza lentamente con la guitarra acompañando al vocalista en sus primeras intervenciones. En el desarrollo tenemos algo muy parecido a la segunda mitad de la canción anterior, ya que la lentitud del inicio se ve quebrada por potentes riff de guitarra, además de acercarnos a un sonido que roza el KrautRock de antaño (pero que gracias a su sonido actual, me recuerda más a "Vespero" que a “Grobschnitt” por ejemplo). La intensidad mostrada se mantiene por gran parte de la canción, que también se ve quebrada por una estremecedora tranquilidad, es como un nuevo inicio dentro de la canción, que vuelve a sus sonidos Kraut y Psicodélicos, avanzando de forma arrolladora, subiendo su intensidad, y terminando en un Clímax de tremendos trabajos instrumentales. Otra de las canciones más notables del disco.

Todo es tranquilo ahora, todos los instrumentos que interactúan en "The Games We play" lo hacen de manera suave, esta es la segunda balada del disco, que a diferencia de la anterior, carece de percusiones, muy minimalista y melancólico, pero claramente bastante depresivo.

En el Cierre del disco tenemos la entretenida y versátil "Seljak", una canción claramente más dinámica que su antecesora (aunque cualquier cosa hubiera sido más dinámica que la canción anterior), con un gran trabajo de los teclados y el bajo al inicio, me hace recordar a las intervenciones de Detlev Schmidtchen en la banda Alemana "Eloy". Después de dos minutos y medio, recién comenzamos a bajar las revoluciones aunque no por mucho tiempo, ya que con esta canción estamos mucho más cerca a lo que se nos presentó en la primera canción, así que, quien disfrutó de "Monolith" podrá tener un reencuentro con algo parecido con esta canción, otra cosa importante es que acá las únicas intervenciones vocales, a diferencia de todo el disco son femeninas, y sólo armonizan con la canción, esta es una instrumental bastante interesante, y muy agradable para terminar el disco, la verdad es que es una canción bastante entretenida, y hace que el abrupto final del disco sea una experiencia bastante sublime.

y bien, después de revisar este tremendo disco lleno de puntos altos, no me queda más que decir y recalcar las ansias que tengo de seguir escuchando el tremendo trabajo de Anekdoten y esperar que algún día nos sorprendan con un nuevo disco ya que recordemos que desde el año 2007 que no nos sorprenden con un lanzamiento.

Aquí les dejo tres canciones del disco, y bajo estas, la descripción del mismo:

Banda                     : Anekdoten

Nombre del disco   : Gravity

Lista de Canciones :  Monolith

                                Ricochet

                                The War Is Over

                                What Should But Did Not Die

                                SW4

                                Gravity

                                The Games We Play

                                Seljak

Año                       : 2003

Integrantes             : Nicklas Barker: (Voz, Guitarra, Mellotron, Vibrafono) 

                               Anna Sofi Dahlberg: (Mellotron, Voz, Piano, Organo)

                               Jan Erik Liljeström – (Bajo, Voz)

                               Peter Nordins: (Bateria, Vibrafono, Mellotron)

M.E.

Desde la corte del Rey Carmesí

Antes de que este blog comience a tomar tintes más contemporáneos, tenía que hacer un review de este disco. King Crimson tiene en su haber quizás uno de los mejores discos en la historia del género (además de ser el primero según la opinión de muchos), una obra que nos presenta una creatividad oscura y depresiva que nos lleva a los lugares más profundos en los inicios del prog. No dejaré de hacer reviews de discos antiguos, pero creo que actualmente hay grandes trabajos de bandas relativamente nuevas que valen la pena escuchar. Antes de que en este blog aparezcan discos de 1980 hacia adelante, escribiré sobre "In the Court of the Crimson King" el disco debut de estos británicos que cambia la perspectiva de lo que actualmente consideramos como "Rock" adquiriendo y mostrándonos nuevas formas de hacer música.

"In the Court of the Crimson king" nos presenta una mezcla de rock, jazz y algunos tintes de música clásica, que se polimerizan en una fusión de oscura versatilidad, eso acompañado de un conjunto de tremendos músicos en la escena rockera de los 60 dando como resultado una de las obras trascendentales y una fuente de inspiración de valor inconmensurable a los músicos proggers actuales.

El disco comienza con una Jazzística "21st Century Schizoid man" con voces esquizoides que adornan el avance de la pieza, una gran variedad de quiebres,  muy bien sintonizados, dando toques mucho más versátiles, y grados de agilidad mucho más altos. Punteos de guitarra sobresalientes desde la primera mitad de la canción. El bajo cumple un papel fundamental al rellenar los espacios, sobresaliendo ante toda esta demostración de talento. Los adornos de instrumentos de bronce en la segunda mitad le dan el toque semi orquestal a la pieza y los fragmentos progresivos de instrumentos sincronizados no se hacen esperar, aprovechados todos los espacios por la batería en este derroche de talento en la primera canción que termina con los acordes iniciales y un parafernalico e igualmente esquizofrénico final.

"I talk to the Wind" por su parte, comienza de forma melancólica con un inicio de flautas y unas voces con un sonido ya "normalizado" por así decirlo. Esta canción es mucho más lenta que su antecesora y que no por eso se vuelve aburrida, al contrario, a pesar de lo lenta que es, la instrumentalización está extremadamente bien lograda con solos de flauta y guitarra en la parte central, el teclado adorna el fondo de la pieza y le otorga una cierta estabilidad a la canción. Siendo  esta la más corta del álbum (con poco más de 6 min) termina con un carismático solo de flauta.

Ahora llegamos al que para mí es el punto alto del disco, con un redoble de timbales, arpegios y punteos de guitarra, además de un depresivo acompañamiento por el teclado se da inicio a "Epitaph". Esta impresionante pieza, desde su parafernalico inicio, con su lento avance que va ganando intensidad, hasta sus tremendos intermedios, con instrumentalizaciones rallando en lo perfecto, una sincronía total entre la melancolía y la depresión. La batería y el bajo otorgando el lado progresivo que se pueden notar en la parte central de la canción. La voz aguda es un toque agradable. Un quiebre en la mitad con un arpegio de guitarra da paso a la parte más exquisita de la pieza, donde todos suben la intensidad de la canción de forma considerable en un In crescendo musical que nos demuestra un nivel de brutalidad incalculable, todo este cumulo de tremendos detalles hacen de esta una de mis piezas favoritas de la vida, que con su depresiva intensidad y con sus timbales parecidos a los iniciales que se escuchan a lo lejos, ponen fin a esta Perfecta canción.

Con "MoonChild" podemos asimilar una canción lenta con su inicio lírico y musicalmente atractivo, una introducción bien diseñada, con toques relajantes, se aprecian solo los platillos, el teclado de forma suave y detalles con flautas, cuando esta introducción termina cerca de los 2 minutos y medio, se transforma más bien una pieza bastante experimental, con sonidos de adorno, desaparece todo el trabajo lírico y se da paso a la improvisación llena de talento por parte de los británicos y esto se mantiene por unos largos 10 minutos más. Una semi instrumental que se vuelve bastante agradable para los fanáticos de las experimentaciones musicales.

Para finalizar el disco tenemos la tremenda "The Court Of the Crimson King" que aparece con su redoble de batería inicial, dando paso al sonido inmortal del teclado, que se vuelve en un clásico de la banda. Esta canción está compuesta básicamente por un acompañamiento musical simple durante la parte lírica  que explota en un también inmortal coro. Esto se repite en ese orden durante gran parte de la pieza, destacando los adornos que se hacen a medida que la canción avanza y toma fuerza de a poco. Destacar también las secciones intermedias con solos de teclado, tremendas líneas de bajo y batería que le dan el toque progger a esta clásica pieza. Un solo de flauta adorna la parte central, que avanza intensamente con arpegios de guitarra volviendo a la estructura básica que escuchamos al principio. Un quiebre silencioso (casi un falso final) al momento de casi alcanzar los 7 minutos, y nos damos cuenta que no acaba aquí porque hay sonidos de platillos presentes, y luego el mellotrón hace una simpática aparición de manera humorísticamente tétrica que dura por al menos un minuto donde (después de eso) volvemos a los acordes y estructuras iniciales, algo más intensas (si, aun más) hasta llegar a un estruendoso y apoteósico clímax. Dando término a una de las obras fundamentales en la evolución del rock al prog.

Para finalizar el review, quiero enfatizar el hecho que más adelante seguiré publicando discos antiguos y clásicos, pero es hora de dar paso a las generaciones más recientes y por qué no, a las nuevas promesas del progresivo.

Aquí les dejo una canción del disco y bajo esta, la descripción del mismo:

Banda                     : King Crimson

Nombre del disco   : In the Court of the Crimson King

Lista de Canciones : 21st Century Schizoid Man 

                               I Talk to the Wind

                               Epitaph

                               Moonchild

                               The Court of the Crimson King

Año                       : 1969

Integrantes             : Robert Fripp  (guitarra, mellotron)

                               Greg Lake  (bajo, voz)

                               Ian McDonald  (flauta, saxofón, mellotron, coros)

                               Michael Giles  (batería, percusión, coros)

                               Peter Sinfield  (letras)

M.E

Alegres sinfonías y danzas en la lluvia.

Si hiciéramos un listado de Bandas fundamentales en la historia del rock progresivo, sería imposible dejar fuera a los británicos "Camel" considerada una de las bandas pioneras, y también como una de las mejores bandas surgidas en la escena progresiva de los años 70' mezclando sonidos clásicos de Jazz, música clásica, Barroca además de tintes de música electrónica. Demostrando en cada uno de sus discos un gran nivel de creatividad y sonidos precursores.

Sin duda uno de mis discos favoritos es Rain Dances de 1977 que logra rescatar el lado más alegre y optimista dentro de la música creada por la banda. Además de tener apoyo en la grabación de estudio, acompañamientos de instrumentos de bronce, arpa y excelentes intervenciones de  mini moog y pianos eléctricos por parte de grandes músicos invitados.

De lleno en el disco "First Light" comienza con unos dulces acordes de guitarra que avanzan por unos 58 segundos hasta la aparición de los instrumentos, la batería acompaña de forma suave pero muy versátil, al igual que el bajo, y un gran sonido de teclados. En el desarrollo de la canción hay momentos de gran intensidad que hacen de esta pieza instrumental un inicio muy sobrio y agradable .Momentos con Saxofón le dan los toques de jazz que complementan perfectamente con esta pieza.

"Metrognome" por su parte, despliega el lado más progresivo de la banda, en un inicio con voces muy agradables acompañadas por sutiles percusiones y un sonido de bronce, una simpática introducción, donde los espacios son muy bien aprovechados por los teclados. Así también, la batería, el bajo y la guitarra siguen un proceso bastante lineal hasta que por fin el talento es demostrado casi llegando a los dos minutos de canción donde estos tres grandes Andrew Latimer (guitarra), Andy Ward (batería) y Richard Sinclair (bajo) logran una sincronía con sus sonidos que nos llevan a un prog bastante idealizado, con sus cambios de tiempo y ritmo bastante marcados. Hasta llegar al final con un alegre derroche de talento en un momento culmine dentro de la canción.

Suaves sonidos electrónicos adornan el inicio de "Tell Me". Una voz y una flauta hacen de esta sección una relajada pieza, que para ser bastante lineal es muy agradable, además de contrastar completamente con el final de su antecesora que se presenta como una canción mucho más dinámica.

Volvemos a los sonidos más setenteros y con quiebres progresivos con "Highways of the Sun", el trabajo instrumental es algo más sutil que la segunda canción. El bajo toma un sonido que resalta y cerca de los 2 minutos y medio, podemos ver un solo de teclado con tintes futuristas muy Space/Rock que complementan de manera perfecta con la canción, que termina con los coros mantenidos y un teclado que se deshace en los segundos finales.

"Uneven Song" es algo más rápida y dinámica que lo que hemos visto hasta ahora. La guitarra toma el lugar protagónico desde el principio con intervenciones agudas y rockeras. El progresivo llega por parte de las bases de bajo y batería, con unos intermedios muy bien diseñados. Mostrando el gran nivel en las composiciones, y un gran sentido de la improvisación. Desde la mitad tenemos un quiebre que nos lleva por pasajes lentos y rayando en lo psicodélico, (algo que podría ser comparado a los trabajos de Pink Floyd) hasta que vuelven los dinámicos sonidos que veíamos al inicio con tintes más sentimentales que se mantendrán hasta el final de la canción.

Un Bajo rozando con lo Funk y un teclado a dúo con el saxofón marcan el inicio de "One of These Days I'll Get an Early Night". En este segmento de experimentación se pueden oír los tintes que podrían pasar inadvertidos incluso en alguna muestra de música disco. Marcando un poco los sonidos contemporáneos de esos años. esta es una entretenida sección en el disco en el que destaca el trabajo de Mel Collins (ex King Crimson) en el saxofón con un tremendo solo en la parte central de la canción, además del maravilloso solo de guitarra al minuto 3:45 que vale la pena escuchar. Con un final lleno de improvisaciones se da término a esta canción instrumental. Que pone en la palestra una vez más los niveles de experimentación de los británicos.

Melancólicos son los acordes iniciales de "Elke", con hermosos sonidos logrados con la flauta acompañados de suaves teclados, y la tremenda aparición de Fiona Hibbert en una maravillosa entrada con su arpa. En esta pieza (que para mí es una introducción de lo que se viene) vemos los grandes dotes en la improvisación, que de manera sublime logran demostrar que Camel, son buenos tanto en composiciones progresivas y rápidas como también en las lentas y psicodélicas baladas.

Ahora llegamos a lo que para mí es la mejor canción del disco sin duda. La instrumental "Skylines" es un deleite musical con el teclado y la guitarra de protagonista en los adornos, con tremendos solos de esta última. La batería y el bajo otorgando la base progresiva con secuencias muy bien marcadas en sus cambios de tiempo y ritmo. Esta es una sublime pieza llena de gratos momentos, destacando los sonidos melancólicos y alegres a la vez, demostrando sinfonías agradables y secciones de improvisación muy bien desarrolladas

Tremenda!

La homónima del Disco "Rain dances" resulta ser la canción más corta del disco con 2 minutos y 58 segundos. Es una sección instrumental tranquila, con el teclado de protagonista, con sonidos mantenidos y lineales, con tintes de música barroca, además de una notoria influencia de música clásica. Un agradable final de disco que se convierte en un solemne momento dentro de esta gran obra.

 100% recomendable resulta ser este disco, para todas las personas que quieren internarse en el rock progresivo, ya que es una obra amigable con el oyente sin grandes grados de complejidad técnica como otros discos de progresivo y genial para conocer la gran trayectoria de esta tremenda banda británica.

Aquí dejo una canción del disco, y bajo esta, la descripción del mismo: 

Banda                     : Camel

Nombre del disco   : Rain Dances

Lista de Canciones :  First Light

                                Metrognome

                                Tell Me

                                Highways of the Sun

                                Unevensong

                                One of These Days I'll Get an Early Night

                                Elke

                                Skylines

                                Rain Dances

Año                       : 1977

Integrantes             : Andrew Latimer  (Guitarra, Flauta, Voces)

                               Peter Bardens  (Teclados)

                               Andy Ward  (Batería, Percusión)

                               Richard Sinclair  (Bajo, Voces)

                               Mel Collins  (Saxofón)

                

                              -Invitados en grabación de estudio:

                             

                               Martin Drover  (Trompeta)

                               Malcolm Griffiths  (Trombón)

                               Brian Eno  (Mini Moog)

                               Fiona Hibbert  (Arpa)

M.E

Prodigio desde Italia x2

El Rock progresivo tiene su nacimiento a fines de los 60's y como bien sabemos, en la década siguiente es donde llega a su total esplendor.

Este género dio la vuelta al mundo y en ciertos lugares, se acompañó con sonidos étnicos correspondientes al país donde estas obras fueron compuestas.

Así entonces llegamos al rock progresivo de Italia en especial al debut, además del disco que ejemplificó el desarrollo de una de las bandas más prometedoras de ese país, y una de las pocas que si tuvieron éxito en tierras extranjeras. 1972 fue el año de "Premiata Forneria Marconi" que aporta con dos obras y que con buenas dosis de Rock acompañadas de cálidos sonidos mediterráneos llegan ser fundamentales en las repisas de los Proggers.

Storia di un minuto (1972)

Este fue el disco debut de los italianos y en términos generales marcaría el estilo de la banda. Con secciones de progresivo muy bien marcadas y desarrolladas, más el agregado que es escuchar la compañía de música mediterránea lograda con los arpegios de guitarra y apoyo de instrumentos de viento.

Con voces al inicio y suaves toques de los instrumentos "Introduzione" aparece, con un intrigante y melancólico sonido que explota en una inyección musical, de más o menos lo que este disco nos presenta. Además de no guardarse nada en estos 70 segundos.

“Impressioni di Settembre” comienza con una melodiosa voz, acompañada  de cuerda, logrando una atmósfera suave que gana intensidad a medida que se incorporan los demás instrumentos. Con un solo de teclado bastante progresivo que comienza a ascender con voces en conjunto, agregan una transición indicada para volver al característico teclado de esta pieza. La batería muy progresiva también y el bajo manteniendo los grados de complejidad Ad hoc con sus colegas. Una gran canción que termina de una manera agradable y bastante solemne. Lo mejor de todo es que solo es el inicio

Pero que tremendo clásico tenemos ahora. Resulta que “E' Festa” (quizás más conocida por su versión en ingles: "Celebration") es una de las canciones más conocidas de la banda, es que el sonido del miniMoog es realmente inmortal en la memoria de los Proggers.

Con una intro de piano y unos punteos de guitarra para empezar, de inmediato después de un corte, tenemos la entrada del minimoog con intermedios dinámicos, versátiles y adornados por instrumentos de viento, la llegada del también inmortal coro, dejando en claro que los trabajos con instrumentalizaciones más lentas resaltan en esta banda, muy bien contrastada con lo que sigue, que es un genial y complejo solo de bajo. Para terminar se vuelve a los acordes del coro en un fantástico clímax musical. Una maravilla.

“Dove... Quando...(Pt 1)” es una solemne balada con suaves adornos de guitarra y cánticos con tintes medievales, sonidos muy mediterráneos, que logran una atmósfera bastante melancólica, Un fragmento muy sobrio y lineal dentro del disco aunque para nada desagradable.

“Dove... Quando...(Pt 2)” por su parte, comienza con un piano rayando en lo tétrico y errático muy bien acompañado por complejas líneas de bajo y batería, algo muy diferente a lo que nos presentaba su antecesora. Un intermedio bastante silencioso, con agradables violines y timbales. Un jazzístico fragmento hace de esta pieza una entretenida sección con los segmentos progresivos muy bien marcados, un excelente trabajo en flauta traversa y sobresaliente bajo.

“La Carroza di Hans” comienza con voces espectrales y con intervenciones sobrias de los instrumentos, además de muy suaves toques de flauta, dando paso a la guitarra que se vuelve protagonista con sus arpegios por todo el fragmento central de la canción hasta que 2 minutos antes del final, vemos el lado más roquero de la “premiata” mostrando el gran nivel de composiciones y el grado de complejidad utilizado en las instrumentalizaciones de los italianos.

Por su parte, la ultima canción del disco “Grazie Davvero” pieza que me recuerda mucho al trabajo del sublime The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, sobre todo con el inicio de la guitarra, que destapa el lado más psicodélico y con un desarrollo bastante llamativo, líneas musicales mantenidas en la parte central y un siniestro avance hasta llegar otra vez a líneas más orquestales, rimbombantes entradas de batería y un glorioso y potente final.

Todas esta canciones hacen de este disco debut una experiencia al más puro estilo de los años setenta, acompañado de exóticos pasajes mediterráneos. Una genial obra que marca el inicio de una de las más grandes bandas en la historia de ese trozo de tierra con forma de bota.

Aquí les dejo una canción del disco y bajo este, la descripción del mismo:

Banda                     : Premiata Forneria Marconi

Nombre del disco   : Storia di un minuto

Lista de Canciones : Introduzione

                               Impressioni di Settembre

                               E' Festa

                               Dove... Quando... parte 1

                               Dove... Quando... parte 2

                               La Carrozza di Hans

                               Grazie Davvero

Año                       : 1972

Integrantes             : Franz Di Cioccio (batería, sintetizador Moog, voces)

                               Franco Mussida  (Guitarra acústica, guitarra eléctrica, voces)

                               Mauro Pagani     (flauta, violín, voces)

                               Giorgio Piazza     (Bajo, voces)

                               Flavio Premoli     (Teclados, Melotrón, clave, piano, sintetizador Moog, voces)

Per Un Amico (1972)

Ahora. El titulo dice x2 y es que precisamente es el momento de hablar del disco que logró reforzar y reafirmar las opiniones que generó el primero. Esta es la síntesis del talento de la premiata forneria marconi: Per Un Amico, saliendo el mismo año que su antecesor demostrándonos que estos italianos tenían ganas de crear, tenían la habilidad para hacerlo y además la creatividad suficiente para demostrarlo.

Una dulce guitarra seguida de un siniestro sonido de teclado marcan el inicio de “Appena Un po'” los tintes mediterráneos no tardan en llegar con los punteos de guitarra y flautas. Un bajo realmente sobresaliente, una introducción que dura unos 2 minutos antes de la llegada del sonido progresivo característico, con un peso bastante recatado, y con líneas instrumentales muy bien logradas. Fantástico inicio antes de la llegada de las voces. En el desarrollo de la canción tenemos fragmentos lentos y con varias voces de protagonista, gran trabajo en el teclado por parte de Flavio premoli, que da toques y atmósferas cambiantes muy versátiles, ya lo decía, siniestro al principio, depresivo al desarrollo y en el final destacando fragmentos alegres dentro de las composiciones, es una canción con pasajes cambiantes, demostrando desde un principio la tónica que tendrá el disco. Esta canción termina con una parte muy parecida al desarrollo pero con agregados en la ejecución de los instrumentos que se notan en la batería de Franz Di Cioccio.

“Generale” por su parte es mucho más dinámica, rápida y claramente más progresiva. Con el violín de protagonista en el inicio, mostrando una amplia gama de geniales momentos instrumentales, una festiva canción, con apariciones de flauta en un segmento muy parecida a una marcha carnavalesca, varios momentos sobrios con guitarra. En la parte final se puede diferenciar el sonido del melotrón antes de que termine de la misma forma en la que comenzó.

Rápidamente llegamos a la mitad del disco con lo que a mi parecer es la mejor parte de este, con tres canciones que son excepcionales sin duda, tanto así que me cuesta escribir de estas de forma neutral y objetiva.

La primera de las tres, es la canción Homónima del álbum "Per un amico" que comienza con una flauta relajada acompañada de suaves y jazzísticos toques de bajo, podemos distinguir un violín antes de la primera entrada lírica en la canción. Muy  relajado todo, la batería no tiene la intensidad que hemos visto hasta ahora, pero resalta por su calidad técnica. Después de un corte, continúan unos acordes muy progresivos, con punteos de guitarra en compañía de los demás instrumentos. Un solo de violín marca el inicio de uno de los fragmentos sublimes del disco, desde el minuto 3:12 nuevamente progresivos punteos, que dan paso a un maravilloso rasgueo de guitarra, el bajo protagónico como en gran parte de la canción, aquí la pieza toma más intensidad, y se distingue un solemne solo de teclado, que da paso a los acordes iniciales para terminar la canción. Simplemente Tremendo.

“Il Banchetto” comienza con una dulce melodía y voces agradables, durante el desarrollo de la primera parte de esta canción no vemos mayores cambios. Cabe destacar la batería que demuestra una gran versatilidad y aparecen geniales adornos de flautas. Pero en el minuto 2:02 tenemos un gran quiebre, que da paso a segmentos psicodélicos muy bien logrado con las atmósferas generadas con el teclado que es el verdadero protagonista, ya que los demás instrumentos se muestran algo más pasivos, la batería da una grata intensidad, aunque no demasiada, lo que hace de este fragmento algo muy relajante y oscuro a la vez. Otro de los quiebres de la canción se presenta al minuto 4:08 donde los grados de improvisación al componer se dan a conocer y son momentos fundamentales en el desarrollo del prog en la banda italiana. Un piano con un sonido magistral en un segmento que raya en lo tenebroso, con idas y vueltas con solo este instrumento de protagonista. Hasta que llegamos al último quiebre al minuto 7:13 donde podemos escuchar en una vuelta más los sonidos que nos presentaron al principio de la canción y así se mantendrá hasta finalizar.

La última pieza de este sublime registro de 1972 es “Geranio”, que comienza dulcemente con guitarra, flauta, con voces lentas y muy suaves. eso hasta el primer quiebre al minuto 2:00 con una entrada con sonidos bastante setenteros dando paso a la expresión de júbilo dentro de esta pieza, con un formidable trabajo en guitarra y bajo. Muy buenas escalas entre flautas, guitarras, y sintetizadores hasta que llegamos al minuto 3:37 con sonidos que te podrían llevar a escenas de circos siniestros por su sonido complejo, y oscura psicodelia. Luego en un Crescendo en intensidad desde el minuto 4:45 con un particular sonido del teclado que se mantendrá firme hasta el final de la canción con aproximadamente 8 minutos, teclado que se desvanece en el infinito. Terminando una de las obras culmines de estos grandes músicos.

En estos dos discos nos deleitan con su música donde tenemos un sin fin de emociones, pasando de la melancolía a depresivos fragmentos; alegría, y jubilo hasta siniestra oscuridad. Es que estos italianos saben cómo satisfacer al publico Progger que siempre está hambriento y sediento de experiencias musicales sublimes.   

Aquí dejaré dos de mis favoritas del disco y bajo estas, la descripción del mismo:

Banda                     : Premiata Forneria Marconi

Nombre del disco   : Per Un Amico

Lista de Canciones :  Appena un Pó

                                Generale

                                Per un amico

                                Il Banchetto

                                Geranio

Año                       : 1972

Integrantes             : Franz Di Cioccio (batería, sintetizador Moog, voces)

                               Franco Mussida  (Guitarra acústica, guitarra eléctrica, voces)

                               Mauro Pagani     (flauta, violín, voces)

                               Giorgio Piazza     (Bajo, voces)

                               Flavio Premoli     (Teclados, Melotrón, clave, piano, sintetizador Moog, voces)

M.E