Teatro Caupolicán; Santiago de Chile, aproximadamente a las
21:00 hrs el 10 de octubre del 2013, fueron el lugar, la hora y la fecha del último
arribo de los británicos "Anathema"
a tierras nacionales.
El motivo? la gira promocional de su aclamado "Weather Systems" que para mí
fue sin duda uno de los discos del año 2012, de los más llamativos y llenos de
genialidad.
Los oriundos de Liverpool salen a escena con tan solo cinco
minutos de retraso, después del coreado nombre de la banda por la audiencia que
esperaba con ansias escucharlos nuevamente después de dos años.
Comienzan a sonar
entonces los acordes de “Untouchable Pt1”
inmediatamente seguido por “Untouchable
Pt2”, esta maravillosa Suite del último disco, que alguna vez comenté que
si las tocaban ambas me daría por pagado. El publico cantó junto a la banda
estas dos primeras canciones como si fueran verdaderos clásicos de la
agrupación, suite que resultó tener mucha más energía que en el mismo registro
de estudio.
La siguiente canción es del mismo disco, pero había dado por
hecho que no la escucharía en el concierto. Resulta que cuando revisé setlist
anteriores no la había visto, y cuando compré el nuevo Directo de la banda ("Universal" 2013) tampoco aparecía,
pero me sorprendieron cuando escuché sus acordes iniciales. Para mi "The Gathering of the Clouds"
es una de mis favoritas de “Weather
Systems” y escucharla en vivo, con mucha más potencia fue una experiencia
"Eargasmica".
“Lightning song”
fue el momento para disfrutar los deslumbrantes trabajos vocales de Lee
Douglas quien ya había mostrado su talento en “Untouchable Pt2” que sin problemas logra
finalizar esta emotiva canción.
Con estas cuatro canciones de su último
trabajo, ahora damos paso a producciones más antiguas. Es el turno ahora de "Thin Air" del disco "We're Here Because We're Here",
marcando la tónica enérgica que se vio durante todo el concierto. Considero que
incluso esta versión salió de los parámetros emocionales típicos y se dejan
escuchar de forma BRUTAL!!!
A continuación aparece "Dreaming
Light" canción que logra erizar la piel en sus melancólicos acordes,
con dosis de energía justa. “Deep”
del disco “Judgement” fue el primer
gran clásico en este concierto, el público se transformó en una sola masa que
saltaba al ritmo de la canción en esa estremecedora explosión de poder Sólido,
toda la letra cantada por la audiencia que a esas alturas ya no podía estar más
Extasiada (o al menos eso pensé).
Del mismo álbum tenemos la Floydiana introducción de “Emotional Winter”, canción que pese a
su lento y psicodélico desarrollo terminó con una más que potente
instrumentalización, confieso que esta canción me trasladó a otra dimensión,
solo cerré los ojos y me dejé llevar. Lo mismo con su sucesora "Wings Of God" donde nos
demostraron que en cuanto a calidad técnica, estos británicos son brillantes.
Con la siguiente canción volvimos al presente musical. La
batería fue protagonista en "The
Beginning at the end" interpretada limpiamente de forma muy potente,
con una claridad maestra.
Antes de que comenzara a sonar "A Natural Disaster" fuimos invitados por la banda a
emular la portada de su ultimo álbum en directo titulado "Universal" con el escenario a oscuras y el publico con
sus Móviles encendidos, que en la potada hacia la parte superior esta imagen se
mimetiza con el universo; Lo cual fue la atmosfera perfecta para escuchar esta canción
en donde los preciosos trabajos vocales de Lee Douglas se dejaron caer
nuevamente en una genial y espacial balada.
Portada de "Universal" (2013)
El enérgico poderío vuelve con "Closer" que comienza con las robóticas voces
interpretadas por Vincent Cavanagh que deja de lado su guitarra para
crear en vivo esos futuristas sonidos electrónicos.
Para marcar la primera salida de la banda; suena "A simple Mistake" que calmó
un poco las aguas antes de los dos encore que se acercaban, al menos hasta la primera mitad de la canción porque claramente la intensidad musical al final de esta pieza crea una atmósfera bastante más pesada con un tremendo Climax.
Luego de un par de minutos, la banda aparece de nuevo en el
escenario y sin titubeos comienzan a interpretar "Internal LandScape" la última canción de la última placa,
que en vivo se escuchó algo más dura y potente, aunque claro, esta fue la
tónica para todas las canciones durante todo el concierto. Maravillosa canción,
una de mis favoritas del último disco.
Lo que sigue ahora son fragmentos de las canciones “Shroud Of False”, “Lost Control”,“Destiny”
e “Inner Silence” del disco "Alternative 4" que derrocha
sentimientos de nostalgia en los presentes que corearon la suite de estas 4
canciones por completo, sin duda, uno de los momentos más emotivos del Show.
(Foto tomada por Claudio Avalos)
Otro clásico, La tremenda "one last goodbye" no podía faltar y se llevó los elogios
al unísono de la audiencia que se dejó querer con este dulce regalo. Hasta aquí
queda el primer Encore, con la banda dejando nuevamente el escenario y un público
enardecido pidiendo más.
En esta vez, la tercera entrada al escenario fue solo con Lee
Douglas y Daniel Cavanagh quienes interpretaron de forma maestra "Parisienne Moonlight" corta
pero emotiva que dejó el camino servido a "Fragile
Dreams" que comenzó con una sutil introducción con acordes de "Shine On you crazy Diamond" de Pink Floyd esta fue ultima del concierto, que hizo saltar a toda la cancha del
recinto; enérgica y mágica manera de despedirse.
¿Qué se puede decir al respecto? con una banda de este
calibre es muy poco, cuando un show se demuestra de una manera tan potente, con
una presentación llena de energía y una potencia en vivo de niveles sorprendentes,
la verdad es que sin ser el fan numero uno de Anathema logré disfrutar a concho el concierto; que tenía un
setlist bien organizado; que mostró una tanda de los trabajos contemporáneos de
la banda sin dejar de lado sus grandes clásicos. Tal vez lo que se puede decir
que jugó algo en contra fue la falta de tecladista fijo y las muy pocas
intervenciones de Lee Douglas (que cuando aparecía dejaba boquiabierto a cada
uno de los asistentes) quién estuvo de cumpleaños ese día, y que recibió el cariñoso
cántico de cumpleaños por parte del público.
Pero insisto, en términos generales fue un gran concierto,
que además nos dejó a noticia de que en diciembre tendremos un nuevo disco (según
Daniel: "será mejor que el ultimo"). Así que solo queda esperar el
nuevo trabajo, y ojalá una pronta venida, a la que iré con muchísimo gusto...
Cuando se va a comenzar a escuchar algún disco que no se conoce, lo ideal es
hacerlo sin expectativas, después de todo, es la mejor manera de no
decepcionarse. A veces, la idea de escuchar nuevas bandas es desechada quien
sabe por qué, pero al abrir la mente e intentar con nuevas creaciones, nos
podemos encontrar con agradables sorpresas. En mi caso particular, me sucedió con "Anekdoten",
una agrupación Sueca de Art/Rock y Prog/Rock,
a cuya discografía tuve acceso hace un par de meses, y no fue hasta la
semana recién pasada que les di el debido tiempo para escuchar y analizar su
obra.
Grata fue mi sorpresa al encontrarme (en su no tan extenso
trabajo) con un disco como "Gravity"(2003). Que al escucharlo y notar
su sonido, inmediatamente llega a mi cabeza un compilado de bandas de grueso
calibre como: Porcupine Tree, King Crimson, Van Der Graaf Generator, HawkWind,
o Dream Theater, aunque claro, tienen un tinte propio y un sello
indiscutiblemente genuino, que hace que este hallazgo sea mucho más
interesante.
Esta es una obra que nos lleva a un sector
más oscuro del prog, que a medida que avanza, podemos ver un arrollador
derroche de poder y detalles sutiles, Trabajos vocales bien aprovechados,
toques de vibráfono, un agradable abuso de mellotrón y una increíble gama de
sonidos electrónicos.
El disco comienza con "Monolith" donde los toques
progresivos aparecen de inmediato. Con una energía increíble se da inicio a
esta sección de poco más de 6 minutos, que de manera muy versátil complementa
los pasajes Psicodélicos en el desarrollo.
Se nota de inmediato el excelente trabajo vocal. Esta es una casi lineal
canción adornada con solos de guitarra en la parte central. Los toques de
vibráfono también aparecen acá, en los pequeños fragmentos instrumentales .A mi
parecer, esta primera canción se muestra como uno de los puntos altos del
disco. Enfoque progresivo para los primeros minutos de esta obra, que
sorprenden y dejan la vara muy alta para todas sus sucesoras.
"Ricochet" es algo más melancólica que la pieza
anterior, el protagonista claramente es el mellotrón, desde el principio dando
esos toques espaciales y psicodélicos. Pasando la mitad de la canción, un
sonido tecla dístico setentero hace su aparición, dejando en claro que es a ese
Rock al que Anekdoten quiere aspirar, pero claro, con tintes contemporáneos.
Podemos notar el desarrollo casi minimalista que presenta la pieza, aunque la
mejor parte está en la segunda mitad, claramente más intensa. Así,
"Ricochet" siendo más simple que su antecesora no deja de ser una
tremenda pieza.
Una sobria y lenta balada. Eso representa "The War is
Over" otro de los puntos altos que nos deja Gravity, que con el sello
característico de la banda se logra transformar en una sorprendente canción.
Unos detalles de percusión, arpegios y solos de guitarra acústica acompañan las
hermosas armonías vocales que me recuerdan mucho al Grunge de "Alice In
Chains". Lineal y minimalista como dije antes, el punto es que en esta
canción un elemento que estaba en las otras dos desaparece, y es la psicodelia.
Aunque la verdad, no se echa de menos, para nada. Tremenda y desde ya pasa a
ser una de mis favoritas.
Oscura desde un principio "What Should but did not
die" sin titubeos logra captar mi atención, gracias a su lento avance y la
sensación que me deja creer que en cualquier momento explotará en Rock, aunque
para que esto suceda tendré que esperar un par de minutos. Es increíble la
intriga que produce esta canción, hasta que al minuto 3:40 podemos notar un
gran aumento en la intensidad con potentes riff's de guitarra incluso si mi
oído no me falla, entre tantos detalles puedo notar un Cencerro!, en fin. Esta
canción termina con sus acordes iniciales, la misma tranquila oscuridad con la
que comenzó y con un sonido que perturbadoramente se disuelve en el infinito.
"SW4" por su parte, es algo más dinámica, con una
constante línea que permanece intacta por varios minutos, el bajo es uno de los
protagonistas en esta pieza, y las voces a coro adornar el pasar de los
minutos, un trabajo de batería bastante acertado, y muchos sonidos
electrónicos. En términos generales, esta canción pasa sin penas ni glorias.
Esto es una especie "descanso" porque lo que viene sí que es
sobresaliente.
En la Homónima del disco tenemos lo que generalmente se
espera de las canciones homónimas. "Gravity", para empezar, es la canción
más extensa del disco, comienza lentamente con la guitarra acompañando al
vocalista en sus primeras intervenciones. En el desarrollo tenemos algo muy
parecido a la segunda mitad de la canción anterior, ya que la lentitud del
inicio se ve quebrada por potentes riff de guitarra, además de acercarnos a un
sonido que roza el KrautRock de antaño (pero que gracias a su sonido actual, me
recuerda más a "Vespero" que a “Grobschnitt” por ejemplo). La intensidad
mostrada se mantiene por gran parte de la canción, que también se ve quebrada
por una estremecedora tranquilidad, es como un nuevo inicio dentro de la canción,
que vuelve a sus sonidos Kraut y Psicodélicos, avanzando de forma arrolladora,
subiendo su intensidad, y terminando en un Clímax de tremendos trabajos
instrumentales. Otra de las canciones más notables del disco.
Todo es tranquilo ahora, todos los instrumentos que interactúan
en "The Games We play" lo hacen de manera suave, esta es la segunda
balada del disco, que a diferencia de la anterior, carece de percusiones, muy
minimalista y melancólico, pero claramente bastante depresivo.
En el Cierre del disco tenemos la entretenida y versátil
"Seljak", una canción claramente más dinámica que su antecesora
(aunque cualquier cosa hubiera sido más dinámica que la canción anterior), con
un gran trabajo de los teclados y el bajo al inicio, me hace recordar a las
intervenciones de Detlev Schmidtchen en la banda Alemana "Eloy". Después
de dos minutos y medio, recién comenzamos a bajar las revoluciones aunque no
por mucho tiempo, ya que con esta canción estamos mucho más cerca a lo que se
nos presentó en la primera canción, así que, quien disfrutó de "Monolith"
podrá tener un reencuentro con algo parecido con esta canción, otra cosa
importante es que acá las únicas intervenciones vocales, a diferencia de todo
el disco son femeninas, y sólo armonizan con la canción, esta es una
instrumental bastante interesante, y muy agradable para terminar el disco, la
verdad es que es una canción bastante entretenida, y hace que el abrupto final
del disco sea una experiencia bastante sublime.
y bien, después de revisar este tremendo disco lleno de
puntos altos, no me queda más que decir y recalcar las ansias que tengo de
seguir escuchando el tremendo trabajo de Anekdoten y esperar que algún día nos
sorprendan con un nuevo disco ya que recordemos que desde el año 2007 que no
nos sorprenden con un lanzamiento.
Aquí les dejo tres canciones del disco, y bajo estas, la descripción
del mismo:
Antes de que este blog comience a tomar tintes más
contemporáneos, tenía que hacer un review de este disco. King Crimson tiene en
su haber quizás uno de los mejores discos en la historia del género (además de
ser el primero según la opinión de muchos), una obra que nos presenta una
creatividad oscura y depresiva que nos lleva a los lugares más profundos en los
inicios del prog. No dejaré de hacer reviews de discos antiguos, pero creo que
actualmente hay grandes trabajos de bandas relativamente nuevas que valen la
pena escuchar. Antes de que en este blog aparezcan discos de 1980 hacia
adelante, escribiré sobre "In the Court of the Crimson King" el disco
debut de estos británicos que cambia la perspectiva de lo que actualmente
consideramos como "Rock" adquiriendo y mostrándonos nuevas formas de
hacer música.
"In the Court of the Crimson king" nos presenta
una mezcla de rock, jazz y algunos tintes de música clásica, que se polimerizan
en una fusión de oscura versatilidad, eso acompañado de un conjunto de
tremendos músicos en la escena rockera de los 60 dando como resultado una de
las obras trascendentales y una fuente de inspiración de valor inconmensurable
a los músicos proggers actuales.
El disco comienza con una Jazzística "21st Century
Schizoid man" con voces esquizoides que adornan el avance de la pieza, una
gran variedad de quiebres, muy bien
sintonizados, dando toques mucho más versátiles, y grados de agilidad mucho más
altos. Punteos de guitarra sobresalientes desde la primera mitad de la canción.
El bajo cumple un papel fundamental al rellenar los espacios, sobresaliendo
ante toda esta demostración de talento. Los adornos de instrumentos de bronce
en la segunda mitad le dan el toque semi orquestal a la pieza y los fragmentos
progresivos de instrumentos sincronizados no se hacen esperar, aprovechados
todos los espacios por la batería en este derroche de talento en la primera
canción que termina con los acordes iniciales y un parafernalico e igualmente
esquizofrénico final.
"I talk to the Wind" por su parte, comienza de
forma melancólica con un inicio de flautas y unas voces con un sonido ya
"normalizado" por así decirlo. Esta canción es mucho más lenta que su
antecesora y que no por eso se vuelve aburrida, al contrario, a pesar de lo
lenta que es, la instrumentalización está extremadamente bien lograda con solos
de flauta y guitarra en la parte central, el teclado adorna el fondo de la
pieza y le otorga una cierta estabilidad a la canción. Siendo esta la más corta del álbum (con poco más de
6 min) termina con un carismático solo de flauta.
Ahora llegamos al que para mí es el punto alto del disco,
con un redoble de timbales, arpegios y punteos de guitarra, además de un
depresivo acompañamiento por el teclado se da inicio a "Epitaph".
Esta impresionante pieza, desde su parafernalico inicio, con su lento avance
que va ganando intensidad, hasta sus tremendos intermedios, con instrumentalizaciones
rallando en lo perfecto, una sincronía total entre la melancolía y la
depresión. La batería y el bajo otorgando el lado progresivo que se pueden
notar en la parte central de la canción. La voz aguda es un toque agradable. Un
quiebre en la mitad con un arpegio de guitarra da paso a la parte más exquisita
de la pieza, donde todos suben la intensidad de la canción de forma
considerable en un In crescendo musical que nos demuestra un nivel de
brutalidad incalculable, todo este cumulo de tremendos detalles hacen de esta
una de mis piezas favoritas de la vida, que con su depresiva intensidad y con
sus timbales parecidos a los iniciales que se escuchan a lo lejos, ponen fin a
esta Perfecta canción.
Con "MoonChild" podemos asimilar una canción lenta
con su inicio lírico y musicalmente atractivo, una introducción bien diseñada,
con toques relajantes, se aprecian solo los platillos, el teclado de forma
suave y detalles con flautas, cuando esta introducción termina cerca de los 2
minutos y medio, se transforma más bien una pieza bastante experimental, con
sonidos de adorno, desaparece todo el trabajo lírico y se da paso a la improvisación
llena de talento por parte de los británicos y esto se mantiene por unos largos
10 minutos más. Una semi instrumental que se vuelve bastante agradable para los
fanáticos de las experimentaciones musicales.
Para finalizar el disco tenemos la tremenda "The Court
Of the Crimson King" que aparece con su redoble de batería inicial, dando
paso al sonido inmortal del teclado, que se vuelve en un clásico de la banda.
Esta canción está compuesta básicamente por un acompañamiento musical simple
durante la parte lírica que explota en un también inmortal coro. Esto se
repite en ese orden durante gran parte de la pieza, destacando los adornos que
se hacen a medida que la canción avanza y toma fuerza de a poco. Destacar también
las secciones intermedias con solos de teclado, tremendas líneas de bajo y batería
que le dan el toque progger a esta clásica pieza. Un solo de flauta adorna la parte
central, que avanza intensamente con arpegios de guitarra volviendo a la
estructura básica que escuchamos al principio. Un quiebre silencioso (casi un
falso final) al momento de casi alcanzar los 7 minutos, y nos damos cuenta que
no acaba aquí porque hay sonidos de platillos presentes, y luego el mellotrón
hace una simpática aparición de manera humorísticamente tétrica que dura por al
menos un minuto donde (después de eso) volvemos a los acordes y estructuras iniciales,
algo más intensas (si, aun más) hasta llegar a un estruendoso y apoteósico clímax.
Dando término a una de las obras fundamentales en la evolución del rock al prog.
Para finalizar el review, quiero enfatizar el hecho que más
adelante seguiré publicando discos antiguos y clásicos, pero es hora de dar
paso a las generaciones más recientes y por qué no, a las nuevas promesas del
progresivo.
Aquí les dejo una canción del disco y bajo esta, la descripción
del mismo:
Banda : King Crimson
Nombre del disco : In the Court of the Crimson King
Si hiciéramos un listado de Bandas fundamentales en la
historia del rock progresivo, sería imposible dejar fuera a los británicos
"Camel" considerada una de las bandas pioneras, y también como una de
las mejores bandas surgidas en la escena progresiva de los años 70' mezclando
sonidos clásicos de Jazz, música clásica, Barroca además de tintes de música electrónica.
Demostrando en cada uno de sus discos un gran nivel de creatividad y sonidos
precursores.
Sin duda uno de mis discos favoritos es Rain Dances de 1977
que logra rescatar el lado más alegre y optimista dentro de la música creada
por la banda. Además de tener apoyo en la grabación de estudio, acompañamientos
de instrumentos de bronce, arpa y excelentes intervenciones de mini moog y pianos eléctricos por parte de grandes
músicos invitados.
De lleno en el disco "First Light" comienza con
unos dulces acordes de guitarra que avanzan por unos 58 segundos hasta la aparición
de los instrumentos, la batería acompaña de forma suave pero muy versátil, al
igual que el bajo, y un gran sonido de teclados. En el desarrollo de la canción
hay momentos de gran intensidad que hacen de esta pieza instrumental un inicio muy
sobrio y agradable .Momentos con Saxofón le dan los toques de jazz que
complementan perfectamente con esta pieza.
"Metrognome" por su parte, despliega el lado más
progresivo de la banda, en un inicio con voces muy agradables acompañadas por
sutiles percusiones y un sonido de bronce, una simpática introducción, donde
los espacios son muy bien aprovechados por los teclados. Así también, la batería,
el bajo y la guitarra siguen un proceso bastante lineal hasta que por fin el
talento es demostrado casi llegando a los dos minutos de canción donde estos
tres grandes Andrew Latimer (guitarra), Andy Ward (batería) y Richard Sinclair
(bajo) logran una sincronía con sus sonidos que nos llevan a un prog bastante
idealizado, con sus cambios de tiempo y ritmo bastante marcados. Hasta llegar
al final con un alegre derroche de talento en un momento culmine dentro de la canción.
Suaves sonidos electrónicos adornan el inicio de "Tell
Me". Una voz y una flauta hacen de esta sección una relajada pieza, que
para ser bastante lineal es muy agradable, además de contrastar completamente
con el final de su antecesora que se presenta como una canción mucho más dinámica.
Volvemos a los sonidos más setenteros y con quiebres
progresivos con "Highways of the Sun", el trabajo instrumental es
algo más sutil que la segunda canción. El bajo toma un sonido que resalta y
cerca de los 2 minutos y medio, podemos ver un solo de teclado con tintes
futuristas muy Space/Rock que complementan de manera perfecta con la canción,
que termina con los coros mantenidos y un teclado que se deshace en los
segundos finales.
"Uneven Song" es algo más rápida y dinámica que lo
que hemos visto hasta ahora. La guitarra toma el lugar protagónico desde el
principio con intervenciones agudas y rockeras. El progresivo llega por parte
de las bases de bajo y batería, con unos intermedios muy bien diseñados. Mostrando
el gran nivel en las composiciones, y un gran sentido de la improvisación. Desde
la mitad tenemos un quiebre que nos lleva por pasajes lentos y rayando en lo psicodélico,
(algo que podría ser comparado a los trabajos de Pink Floyd) hasta que vuelven
los dinámicos sonidos que veíamos al inicio con tintes más sentimentales que se
mantendrán hasta el final de la canción.
Un Bajo rozando con lo Funk y un teclado a dúo con el saxofón
marcan el inicio de "One of These Days I'll Get an Early Night". En este segmento de experimentación
se pueden oír los tintes que podrían pasar inadvertidos incluso en alguna
muestra de música disco. Marcando un poco los sonidos contemporáneos de esos
años. esta es una entretenida sección en el disco en el que destaca el trabajo
de Mel Collins (ex King Crimson) en el saxofón con un tremendo solo en la parte
central de la canción, además del maravilloso solo de guitarra al minuto 3:45
que vale la pena escuchar. Con un final lleno de improvisaciones se da término
a esta canción instrumental. Que pone en la palestra una vez más los niveles de
experimentación de los británicos.
Melancólicos son los acordes iniciales de "Elke",
con hermosos sonidos logrados con la flauta acompañados de suaves teclados, y
la tremenda aparición de Fiona Hibbert en una maravillosa entrada con su arpa. En
esta pieza (que para mí es una introducción de lo que se viene) vemos los
grandes dotes en la improvisación, que de manera sublime logran demostrar que
Camel, son buenos tanto en composiciones progresivas y rápidas como también en
las lentas y psicodélicas baladas.
Ahora llegamos a lo que para mí es la mejor canción del
disco sin duda. La instrumental "Skylines" es un deleite musical con
el teclado y la guitarra de protagonista en los adornos, con tremendos solos de
esta última. La batería y el bajo otorgando la base progresiva con secuencias
muy bien marcadas en sus cambios de tiempo y ritmo. Esta es una sublime pieza
llena de gratos momentos, destacando los sonidos melancólicos y alegres a la
vez, demostrando sinfonías agradables y secciones de improvisación muy bien
desarrolladas
Tremenda!
La homónima del Disco "Rain dances" resulta ser la
canción más corta del disco con 2 minutos y 58 segundos. Es una sección
instrumental tranquila, con el teclado de protagonista, con sonidos mantenidos
y lineales, con tintes de música barroca, además de una notoria influencia de música
clásica. Un agradable final de disco que se convierte en un solemne momento
dentro de esta gran obra.
100% recomendable resulta ser este disco, para todas las
personas que quieren internarse en el rock progresivo, ya que es una obra
amigable con el oyente sin grandes grados de complejidad técnica como otros
discos de progresivo y genial para conocer la gran trayectoria de esta tremenda
banda británica.
Aquí dejo una canción del disco, y bajo esta, la descripción del mismo:
Banda : Camel
Nombre del disco : Rain Dances
Lista de Canciones : First Light
Metrognome
Tell Me
Highways of the Sun
Unevensong
One of These Days I'll Get an Early Night
Elke
Skylines
Rain Dances
Año : 1977
Integrantes : Andrew Latimer (Guitarra, Flauta, Voces)
El Rock progresivo tiene su nacimiento a fines de los 60's y
como bien sabemos, en la década siguiente es donde llega a su total esplendor.
Este género dio la vuelta al mundo y en ciertos lugares, se
acompañó con sonidos étnicos correspondientes al país donde estas
obras fueron compuestas.
Así entonces llegamos al rock progresivo de Italia en
especial al debut, además del disco que ejemplificó el desarrollo de una de las
bandas más prometedoras de ese país, y una de las pocas que si tuvieron éxito
en tierras extranjeras. 1972 fue el año de "Premiata Forneria
Marconi" que aporta con dos obras y que con buenas dosis de Rock acompañadas
de cálidos sonidos mediterráneos llegan ser fundamentales en las repisas de los
Proggers.
Storia di un minuto (1972)
Este fue el disco debut de los italianos y en términos
generales marcaría el estilo de la banda. Con secciones de progresivo muy bien
marcadas y desarrolladas, más el agregado que es escuchar la compañía de música
mediterránea lograda con los arpegios de guitarra y apoyo de instrumentos de
viento.
Con voces al inicio y suaves toques de los instrumentos "Introduzione"
aparece, con un intrigante y melancólico sonido que explota en una inyección
musical, de más o menos lo que este disco nos presenta. Además de no guardarse
nada en estos 70 segundos.
“Impressioni di Settembre” comienza con una melodiosa voz,
acompañada de cuerda, logrando una atmósfera suave que gana intensidad a medida que se incorporan los demás instrumentos.
Con un solo de teclado bastante progresivo que comienza a ascender con voces en
conjunto, agregan una transición indicada para volver al característico teclado
de esta pieza. La batería muy progresiva también y el bajo manteniendo los
grados de complejidad Ad hoc con sus colegas. Una gran canción que termina de
una manera agradable y bastante solemne. Lo mejor de todo es que solo es el
inicio
Pero que tremendo clásico tenemos ahora. Resulta que “E'
Festa” (quizás más conocida por su versión en ingles: "Celebration")
es una de las canciones más conocidas de la banda, es que el sonido del
miniMoog es realmente inmortal en la memoria de los Proggers.
Con una intro de piano y unos punteos de guitarra para
empezar, de inmediato después de un
corte, tenemos la entrada del minimoog con intermedios dinámicos, versátiles y
adornados por instrumentos de viento, la llegada del también inmortal coro,
dejando en claro que los trabajos con instrumentalizaciones más lentas resaltan
en esta banda, muy bien contrastada con lo que sigue, que es un genial y
complejo solo de bajo. Para terminar se vuelve a los acordes del coro en un fantástico
clímax musical. Una maravilla.
“Dove... Quando...(Pt 1)” es una solemne balada con suaves
adornos de guitarra y cánticos con tintes medievales, sonidos muy mediterráneos,
que logran una atmósfera bastante melancólica, Un fragmento muy sobrio y lineal
dentro del disco aunque para nada desagradable.
“Dove... Quando...(Pt 2)” por su parte, comienza con un
piano rayando en lo tétrico y errático muy bien acompañado por complejas líneas
de bajo y batería, algo muy diferente a lo que nos presentaba su antecesora. Un
intermedio bastante silencioso, con agradables violines y timbales. Un jazzístico
fragmento hace de esta pieza una entretenida sección con los segmentos
progresivos muy bien marcados, un excelente trabajo en flauta traversa y
sobresaliente bajo.
“La Carroza di Hans” comienza con voces espectrales y con
intervenciones sobrias de los instrumentos, además de muy suaves toques de
flauta, dando paso a la guitarra que se vuelve protagonista con sus arpegios
por todo el fragmento central de la canción hasta que 2 minutos antes del
final, vemos el lado más roquero de la “premiata” mostrando el gran nivel de
composiciones y el grado de complejidad utilizado en las instrumentalizaciones
de los italianos.
Por su parte, la ultima canción del disco “Grazie Davvero”
pieza que me recuerda mucho al trabajo del sublime The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, sobre todo con el inicio de la guitarra, que destapa el lado más psicodélico
y con un desarrollo bastante llamativo, líneas musicales mantenidas en la parte
central y un siniestro avance hasta llegar otra vez a líneas más orquestales, rimbombantes
entradas de batería y un glorioso y potente final.
Todas esta canciones hacen de este disco debut una
experiencia al más puro estilo de los años setenta, acompañado de exóticos
pasajes mediterráneos. Una genial obra que marca el inicio de una de las más
grandes bandas en la historia de ese trozo de tierra con forma de bota.
Aquí les dejo una canción del disco y bajo este, la descripción del mismo:
Banda : Premiata Forneria Marconi
Nombre del disco : Storia di un minuto
Lista de Canciones : Introduzione
Impressioni di Settembre
E' Festa
Dove... Quando... parte 1
Dove... Quando... parte 2
La Carrozza di Hans
Grazie Davvero
Año : 1972
Integrantes : Franz Di Cioccio (batería, sintetizador Moog, voces)
Ahora. El titulo dice x2 y es que precisamente es el momento
de hablar del disco que logró reforzar y reafirmar las opiniones que generó el
primero. Esta es la síntesis del talento de la premiata forneria marconi: Per
Un Amico, saliendo el mismo año que su antecesor demostrándonos que estos
italianos tenían ganas de crear, tenían la habilidad para hacerlo y además la
creatividad suficiente para demostrarlo.
Una dulce guitarra seguida de un siniestro sonido de teclado
marcan el inicio de “Appena Un po'” los tintes mediterráneos no tardan en llegar
con los punteos de guitarra y flautas. Un bajo realmente sobresaliente, una introducción
que dura unos 2 minutos antes de la llegada del sonido progresivo característico,
con un peso bastante recatado, y con líneas instrumentales muy bien logradas. Fantástico
inicio antes de la llegada de las voces. En el desarrollo de la canción tenemos
fragmentos lentos y con varias voces de protagonista, gran trabajo en el
teclado por parte de Flavio premoli, que da toques y atmósferas cambiantes muy versátiles,
ya lo decía, siniestro al principio, depresivo al desarrollo y en el final
destacando fragmentos alegres dentro de las composiciones, es una canción con
pasajes cambiantes, demostrando desde un principio la tónica que tendrá el
disco. Esta canción termina con una parte muy parecida al desarrollo pero con agregados
en la ejecución de los instrumentos que se notan en la batería de Franz Di
Cioccio.
“Generale” por su parte es mucho más dinámica, rápida y
claramente más progresiva. Con el violín de protagonista en el inicio,
mostrando una amplia gama de geniales momentos instrumentales, una festiva canción,
con apariciones de flauta en un segmento muy parecida a una marcha
carnavalesca, varios momentos sobrios con guitarra. En la parte final se puede
diferenciar el sonido del melotrón antes de que termine de la misma forma en
la que comenzó.
Rápidamente llegamos a la mitad del disco con lo que a mi
parecer es la mejor parte de este, con tres canciones que son excepcionales sin
duda, tanto así que me cuesta escribir de estas de forma neutral y objetiva.
La primera de las tres, es la canción Homónima del álbum "Per
un amico" que comienza con una flauta relajada acompañada de suaves y jazzísticos
toques de bajo, podemos distinguir un violín antes de la primera entrada lírica en la canción. Muy relajado todo, la batería
no tiene la intensidad que hemos visto hasta ahora, pero resalta por su calidad
técnica. Después de un corte, continúan unos acordes muy progresivos, con
punteos de guitarra en compañía de los demás instrumentos. Un solo de violín
marca el inicio de uno de los fragmentos sublimes del disco, desde el minuto
3:12 nuevamente progresivos punteos, que dan paso a un maravilloso rasgueo de
guitarra, el bajo protagónico como en gran parte de la canción, aquí la pieza
toma más intensidad, y se distingue un solemne solo de teclado, que da paso a
los acordes iniciales para terminar la canción. Simplemente Tremendo.
“Il Banchetto” comienza con una dulce melodía y voces
agradables, durante el desarrollo de la primera parte de esta canción no vemos
mayores cambios. Cabe destacar la batería que demuestra una gran versatilidad y
aparecen geniales adornos de flautas. Pero en el minuto 2:02 tenemos un gran
quiebre, que da paso a segmentos psicodélicos muy bien logrado con las atmósferas generadas con el teclado que es el verdadero protagonista, ya que
los demás instrumentos se muestran algo más pasivos, la batería da una grata intensidad,
aunque no demasiada, lo que hace de este fragmento algo muy relajante y oscuro
a la vez. Otro de los quiebres de la canción se presenta al minuto 4:08 donde
los grados de improvisación al componer se dan a conocer y son momentos
fundamentales en el desarrollo del prog en la banda italiana. Un piano con un
sonido magistral en un segmento que raya en lo tenebroso, con idas y vueltas
con solo este instrumento de protagonista. Hasta que llegamos al último quiebre
al minuto 7:13 donde podemos escuchar en una vuelta más los sonidos que nos presentaron
al principio de la canción y así se mantendrá hasta finalizar.
La última pieza de este sublime registro de 1972 es “Geranio”,
que comienza dulcemente con guitarra, flauta, con voces lentas y muy suaves.
eso hasta el primer quiebre al minuto 2:00 con una entrada con sonidos bastante
setenteros dando paso a la expresión de júbilo dentro de esta pieza, con un
formidable trabajo en guitarra y bajo. Muy buenas escalas entre flautas, guitarras,
y sintetizadores hasta que llegamos al minuto 3:37 con sonidos que te podrían
llevar a escenas de circos siniestros por su sonido complejo, y oscura
psicodelia. Luego en un Crescendo en intensidad desde el minuto 4:45 con
un particular sonido del teclado que se mantendrá firme hasta el final de la canción
con aproximadamente 8 minutos, teclado que se desvanece en el infinito. Terminando
una de las obras culmines de estos grandes músicos.
En estos dos discos nos deleitan con su música donde tenemos
un sin fin de emociones, pasando de la melancolía a depresivos fragmentos; alegría,
y jubilo hasta siniestra oscuridad. Es que estos italianos saben cómo
satisfacer al publico Progger que siempre está hambriento y sediento de
experiencias musicales sublimes.
Aquí dejaré dos de mis favoritas del disco y bajo estas, la descripción del mismo:
Banda : Premiata Forneria Marconi
Nombre del disco : Per Un Amico
Lista de Canciones : Appena un Pó
Generale
Per un amico
Il Banchetto
Geranio
Año : 1972
Integrantes : Franz Di Cioccio (batería, sintetizador Moog, voces)
A veces, es bueno respirar nuevos aires, salir de aquella
alocada selva de cemento con edificaciones geométricas sin ningún sentido de la
arquitectura, dejar de lado la tecnología por un tiempo, tener gratos momentos
de relajo, además de recordar y caminar por parajes que no veía desde hace más
o menos 10 años. Pensamientos como estos son los que me llevan por unas largas
6 o 7 horas hacia el sur Santiago, específicamente concepción.
Pero bueno, no vengo a aburrirlos comentándoles detalles de
mi reencuentro con la naturaleza, ni tampoco a contarles los detalles de mis
vacaciones. Porque, la idea es que puedan conocer canciones que me acompañaron durante mi larga estadía en territorios sureños, después de todo, para un
melómano como yo, esto resulta algo indispensable.
Ojo, no esperen solo Prog, esto es un surtido de canciones
que me gustan de variados estilos y que aparecieron aleatoriamente durante el
viaje. Entonces, aquí les dejo parte de "la Playlist que me acompañó en
mis vacaciones"
El Valor de lo Sublime
La primera en hacer su aparición es una de mis piezas
favoritas de toda la vida de una de las bandas más experimentales de la
historia, y es “Zëss” de los franceses “Magma” en su versión en vivo del sublime registro "Mythes et
Legendes: Epok 4". El dato curioso aquí es que pensaba hacer un review de
esta fenomenal obra, porque sencillamente, la considero sublime.
Entrando de lleno en la canción, lo primero que se nota son
unas celestiales voces femeninas y la entrada de una voz masculina cerca de los
4 primeros minutos y así se mantendrá por ahora. Esta introducción que casi no
tiene contenido musical (solo unas armonías de teclado) ni lírico (no existe
letra, solo armonías vocales) es destruido por un aumento en la velocidad con
la entrada de los instrumentos, ahora, lo increíble es que por el 98% de esta
pieza, toda la música se mantiene constante, con sus líneas intactas con dos
acordes de piano y unas constantes de bajo y guitarra. Mientras todo esto toma
forma, una ruda voz de Christian Vander (baterista, vocalista, líder, fundador y
principal genio creativo de Magma) hace su aparición, pero no en batería sino
que cantando, o más que cantando recitando un verdadero poema, que resulta ser
una maravilla. osea, que no solo tenemos la música espectacular sino que la
letra es fundamental para reflejar la teatralidad y el arte dentro de esta
obra.
A todo esto, se incluyen los adornos a ratos de instrumentos
de bronce, una delicadeza.
Un estruendoso y aterrador sonido que interrumpe el poema al
minuto 10:40, para dar paso a unas improvisaciones vocales imposibles de
interpretar, es que estamos frente al poco conocido kobaïano, idioma creado por
Vander (creo que solo él lo entiende) y a todo esto, toda las
instrumentalizaciones siguen exactamente igual que al principio. Pero todo este
trabajo vocal nos presenta claramente un sistema "In Crescendo" que
por poco más de 30 minutos nos lleva a experimentar un clímax de intensidad
musical.
Nuevamente:
Sublime!
Muy bien acompañado
¿Que es un viaje por la carretera sin un tema de heavy metal
o Hard Rock?, en este caso, y siguiendo esta perspectiva, la siguiente en
aparecer es "Runnin' With the Devil" (mi favorita de "Van Halen" sin dudas). Es que
se disfruta de principio a fin, desde el
poderoso bajo al inicio, el coro a tres voces y la guitarra afilada, hasta el
estruendoso final, y es que fueron unos cortos 3 minutos en los
que corrí junto al diablo, y créanme, que fue bastante agradable.
Una depresiva historia
Un melancólico arpegio de guitarra aparece, acompañado de
una dulce voz y un lento ritmo. Es un clásico del prog de parte de "Emerson, Lake
and Palmer", es "Lucky Man" uno de sus mayores éxitos, además de ser uno de los
más respetados de su discografía. Y es que este trío, supo inmortalizar en esta
brutal sinfonía clásica, todo lo que un fan del prog desea escuchar, con un
tremendo solo de teclado, coro pegajoso, y un maravilloso final en esta depresiva sección de la historia de rock.
Una de las mejores del legado
Una banda a la que le hice un Review, se hace presente,
Eloy, con la Fantástica "The Apocalipse" del espectacular
"Silent Cries & Mighty Echoes", es una Psicodélica canción, con
profundos solos de teclado y guitarra, llenos de rock espacial, que una vez
más, y como siempre con Eloy, nos llevan a viajar por la inmensidad del
universo. un bajo verdaderamente sobresaliente, y unas voces celestiales que en
la segunda mitad van disminuyendo la intensidad, hasta dar paso a un fragmento
final, más electrónico con sonidos futuristas y algo mas rápido, el trabajo
vocal como siempre bastante agradable, y cánticos a coro de varias voces
masculinas adornan la canción a lo largo de sus 14 casi 15 minutos
El Elefante hablador
Sin dudas, King Crimson está en mi Top 5 de mis bandas
favoritas, y en este caso solo hablaré de una canción que apareció en la
playlist aleatoria porque esa es la intención, ya daré el tiempo a analizar y
dar mi opinión de discos completos de esta tremenda y fenomenal Banda. "Elephant Talk", se presenta como una entretenida canción, el bajo Psicodélico del
principio se transforma en algo bastante Funk (muy Primus como dijo un amigo)
la voz bastante humorística, la guitarra poco sobresaliente en comparación al
trabajo del tremendo Robert Fripp durante la historia de “KC”, y un agradable abuso
de los Octobans(creo que eran Octobans) en la batería hacen de esta una de las
mejores canciones del disco a mi gusto, todo este derrame de creatividad es
algo que nos trae acostumbrados King Crimson, ya que ningún disco tiene un
parecido al anterior. Majestuosa banda, pilar del prog, y precursora de sonidos
contemporáneos. Tremendos.
Clasico!
Algunos lectores querrán quemarme vivo al decir, que a pesar
de todo lo Prog que puedo ser, soy bien selectivo a la hora de escuchar bandas
del genero. Y hay una clásica en especial que no está ni en mi top 5 ni top 10
y probablemente si me encuentran de buen humor podría clasificarla en el top 20
y es: "Rush".
Pero reconozco que la canción que aparece ahora, debe ser de las más
espectaculares dentro del progresivo, es que "La Villa Strangiato" es
una impresionante demostración de maestría. Esta instrumental de 9 minutos y
medio comienza con unos punteos de guitarra bastante mediterráneos dando paso de
apoco en un Crescendo instrumental hasta explotar con altas dosis de Rock, esta
es un clásico de la banda, con pasajes lentos en sus intermedios, y demostrando
la versatilidad de estos connotados músicos.
Un clásico
del rock.
Casi Brutal
Desde los sectores más pesados del prog, "Nevermore" se hace
presente ahora con uno de mis favoritos de esta banda, "The seven tonges
of Gods".
Es una verdadera maravilla como, en 6 minutos una canción
puede volarte la cabeza, y ojo, sin tener guturales. Ya que Nevermore es bien
cocido por el fabuloso trabajo vocal de Warrel Dane, que (insisto) sin
guturales logra grados de brutalidad asombrosos. La canción en sí destaca la
guitarra, la batería y el bajo por su velocidad y constantes cambios de ritmo y
tiempos. De verdad una gran canción, que debería estar en la biblioteca musical
de todos los fanáticos del metal.
Casi sin palabras
Mi Power balad favorita, por lejos es "Silent Lucidity" de "Queensrÿche", es una estremecedora canción que nos lleva por paisajes melancólicos,
y llenos de sentimientos, como para adornarlo con el fuego de un encendedor, en
serio, no tengo nada más que decir.
Folclore+Prog/Rock
Si hay algo que me gusta de los jaivas, es su nivel de experimentación
musical, que, para la época en la que llegaron a su esplendor musical, fue
bastante innovador. Uno de sus discos más aclamados fue "alturas de Macchu
Picchu" una espectacular obra que da música a los poemas de Pablo Neruda
sobre las ruinas de la bellísima ciudad Inca
Una introducción con instrumentos de origen mapuche, dan
inicio al mejor tema del majestuoso disco y quizás de toda la historia de la
banda. Es "La Poderosa muerte" que con un sólido piano e instrumentos
de viento hacen que los primeros minutos sean una calmada expresión de folclore
altiplánico para no especificar países. a toda esta musicalidad folclórica, se
le agrega un Psicodélico teclado, y la Magnífica voz de "Gato
Alquinta" recita parte del poema, y se da inicio a la ultima sección de la
primera mitad, algo más rockera, sobre todo en la guitarra, y el estupendo solo
de batería del minuto 6:00.
Abruptamente, todo queda en silencio, para dar inicio a la
segunda mitad del tema. Un golpeado toque folclórico nuevamente aparece y todos
cantan parte de la letra, las voces juntas son una verdadera maravilla, y se
demuestra un grado de violencia en la música. Luego de esto, la mejor parte de
la canción cuando canta como solista el "Gato" y sucesivamente lo sigue
un increíble sonido en el teclado. Todo esto finaliza con los instrumentos desvaneciéndose
y terminando en el estremecedor sonido de algo parecido a una tormenta o explosión.
Esto, pueden verlo en su registro tipo documental del mismo
nombre del disco. Los llevara a un viaje muy parecido a "Pink Floyd Live
At Pompeii" pero en las ruinas ubicadas en Perú Bello homenaje a la
ciudad y a la maestría de Neruda.
Perturbadora oscuridad
Dentro de a nueva ola del metal progresivo, una de las
bandas que destaca sobre el resto es "Riverside", con una notoria influencia de "Porcupine Tree", esta banda nos lleva al lado mas oscuro y depresivo del prog. y
del disco "Rapid Eye Syndrome" suena ahora "Schizophrenic
Prayer”. Durante 3 de los 4:20 minutos totales de la canción la música casi no
sufre modificaciones, comienza de una forma muy hipnótica y (como dije antes) a
los 3 minutos revienta con un redoble de batería y nos recuerda que de verdad
hacen metal. una explosión sonora que acompañada de la agradable voz del
bajista "Mariusz Duda" logran finalizar de manera sobresaliente esta canción.
Eargasm
Sin dudas si hablamos de metal progresivo, los que se
mantuvieron al frente por muchos años fueron los estadounidenses de "Dream
Theater", sin duda, la calidad de los músicos de su alineación hacen que cada
uno de sus discos (al menos hasta hace varios años) fueran considerados de los
mejores del genero.
Uno de esos discos, trascendió más que los demás, fue un
disco conceptual que para mí, es el mejor de esta genial banda.
"Metropolis pt2: Scenes From a Memory" aparece ahora con "Fatal
Tragedy", una devastadora pieza que demuestra la fenomenal calidad técnica
de estos músicos.
Con una intro de piano y voz se da inicio a esta obra, unos
segundos de calma, antes de una verdadera erupción de versatilidad y metal. Un
ritmo lento pero agresivo, interrumpido por secciones bastantes progresivas a
ratos y aumentando el peso cada vez más hasta que, al minuto 3:50 vemos por
fin, la intrépida sección instrumental. Para mi, el mejor trabajo tecladístico
de Rudess en Dream Theater, y un sobresaliente y quizás el mejor solo de
Petrucci en el disco, hacen de esta parte una verdadera delicia.
El bajo avanza de forma demoledora y para qué hablar de la batería,
es que Portnoy siempre nos acostumbró a esos parafernalicos movimientos, todo
avanza en un crecimiento en la intensidad de la canción hasta que un abrupto
final deja todo en silencio, menos el teclado, dando paso así, a la voz del
psiquiatra que (en inglés) dice: "Ahora es el momento de ver como moriste,
Recuerda que la muerte no es el fin, sino solo una transición"
Recordemos que todo el disco es una tremenda historia, y
vale la pena que den un vistazo.
Quien Eres?
Para ser sincero, hace muy poco tiempo pude pasar
musicalmente a "The Who", nunca le había dado mucha atención, y hasta hace años,
nunca había escuchado un disco completo. Dentro de las bandas clásicas de todos
los tiempos fueron la última que escuché y recuperé el tiempo perdido
rápidamente.
Del último disco que tienen con el gran keith Moon, la
canción que viene ahora es "Who are you?" una de las más recordadas y
uno de sus grandes clásicos.
Inicia con unos sonidos muy onderos, para dar paso al
pegajoso, entretenido e inmortal coro, de inmediato aparece la voz del siempre
subvalorado "Roger Daltrey" y su trabajo como siempre (al menos para
mi) muy sobresaliente, recordemos que en sus inicios, siempre los comentarios
hacia él decían que no surgiría, que no tenía capacidad como vocalista y blah
blah blah. Les tapó la boca a todos.
Un fragmento bastante suave al minuto 2:20 para volver con
el ritmo original de la canción y mantenerse, con la compañía de un piano, el
siempre sobresaliente bajo de "Entwistle" y como siempre el creativo
"Pete Townshend" sin dudas el pilar de "The Who"
Gran canción, un dato: quizás pueden recordarla como intro
de la serie "CSI: Las Vegas"
"The Police" no es mi banda favorita, y no está cerca de
serlo, pero admito que me encanta la energía de "Synchronicity I", un
preciso tema para viajar. Lo más sorprendente sin dudas el talento de Stewart
Copelan, este tipo es un verdadero metrónomo humano. La agradable voz de Sting
también le da un toque a esta entretenida canción.
Lo más destacable
Un Doblete de Eloy en
esta lista, sucede que "Ro Setau" es una magnífica obra, de un disco
que para mí, fue el intento desesperado por resurgir, que a la larga solo
agradó a los Fans poco objetivos, ya que para mí, esta canción es lo único
bueno que tiene el nefasto disco "Ocean 2: The Answer". El tema comienza
con una violenta entrada de bajo, guitarra y batería acompañada por una oscura
voz, y de inmediato comienza un desarrollo bastante bueno en la canción, en la
que destaca el registro Vocal, que irónicamente, en este disco fue una real
maravilla. Resulta que en los grandes disco de Eloy la voz no era la gran cosa,
ya que la voz de Frank Bornemann no era de las mejores, aunque sí, muy bien
aprovechada. Ahora es lo contrario, el resultado del trabajo vocal aquí es
sobresaliente.
luego de eso las típicas
voces celestiales a las que Eloy nos tiene acostumbrado, un genial solo de
teclado, y un final explosivo. Es una canción que raya en lo sencillo. Con
pocas entradas parafernalicas, pero que, con lo justo se transforma en una gran
pieza de la banda alemana.
Sencillo y maravilloso
Una balada con tintes de Folk, eso es precisamente lo que
demuestra la maravillosa "Going To California" de los Británicos de "Led Zeppelin".
Básicamente cuenta con Page en guitarra acústica, el fantástico John Paul Jones en Mandolina y
la formidable voz de Plant en una canción llena de tintes melancólicos,
contrastando completamente a lo hecho en el disco "Led Zeppelin IV", otra sublime
canción, y una de mis favoritas de Zeppelin.
Psicodelia y Acid Rock
Como no reconocer esa intro? es cosa de escuchar el primer
segundo de la canción y darse cuenta que es "Sunshine of your Love". Por
lejos "Cream" se transformó de una de las grandes bandas de la
historia de la psicodelia internacional, un verdadero clásico, una sorprendente
obra llena de contrastes en los instrumentos, desde la notoria influencia
Jazzistica de la batería del Gran Ginger Baker y la Bluesera guitarra de Eric
Clapton, hasta la intensa voz y potente sonido del bajo de Jack Bruce.
Esta banda propone para su época una búsqueda de una mayor
amplitud conceptual, convirtiéndose así en una de las bandas más influyentes de
la historia, con un legado inconmensurable.
Lo mismo que antes, pero instrumental
De inmediato se repite Cream con la instrumental "Toad"
sin dudas una exótica canción que demuestra la influencia jazzistica antes
mencionada de Ginger Baker, con la batería en un solo maravilloso. Las
intervenciones de guitarra y bajo, son sencillas pero potentes. Se destaca el
notable desarrollo de la capacidad de improvisación y se transforma en un
genial final de disco. El gran "Fresh Cream"
El órgano inmortalizado
La canción Homónima del disco "Perfect Stranger"
del año 1984 es uno de los caballos de batalla de los británicos de Deep
Purple.
Esta mística y potente canción, es una bomba de energía, las
apariciones del gran Jon Lord en los intermedios son verdaderamente sublimes, y,
a pesar de que esta canción no cuenta con solos de guitarra o teclado, de
verdad que no hacen falta.
Por si sola, esta canción es tremenda.
Tranquilidad y maestría
Otra de las sublimes obras que nos deja el maravilloso género
del rock progresivo es "Skylines" de los británicos "Camel".
Esta delicada pieza instrumental nos muestra una
tranquilidad bastante agradable, con una jazzística batería, una linea de bajo
mantenida, pero para nada simple, entretenidos solos de teclado y unas
fabulosas entradas de guitarra. El momento culmine para mi va desde el minuto
3:37 hasta el final, aquí, la atmósfera creada por el teclado es sorprendente,
y el cambio en la línea de guitarra es de verdad un acierto en un 100%
Por lejos de las mejores canciones de prog de todos los
tiempos
Esos exquisitos detalles
Gran canción de esta banda de Hard Rock, y me gusta por el
valor agregado.
Es que en "Its a long Way to the top" las gaitas
son un soberbio detalle, en que AC/DC muestra una faceta diferente, como
siempre el buen Bon Scott con su característica voz, y las típicas y
minimalistas líneas de guitarra bajo y batería a la que AC/DC nos ha
acostumbrado a lo largo de la historia. un agrado!
En dirección al universo
De la escena del Space Rock, sin duda alguna, dentro las
bandas más influyentes y pioneras está Hawkwind. Explorando desde siempre con
los sonidos espaciales, psicodélicos, y experimentando desde los años 60 con
letras de ciencia ficción.
"Space is Deep" comienza con una tranquila intro, que
se extiende por un largo periodo dentro de la canción, acompañado de una ácida voz. Todo explota pasados los 3 minutos y se mantiene con un ritmo constante y
sonidos agudos de fondo. Todo se calma llegando a los 5 minutos y se mantiene
con el ritmo inicial hasta que termina con poco más de 8 minutos
Los protagonistas son el teclado dando la atmósfera espacial
y el bajo dando una potencia incomparable.
Cuecas con sintetizador
Un Trompe Mapuche acompañado de una delicada línea de
guitarra además de un sintetizador bastante psicodélico dan inicio a
esta gran canción del grupo chileno "Los Jaivas"
Del Disco Aconcagua tenemos "Desde un barrial" quizás
una de las interesantes propuestas de esta increíble banda, ya que tenemos un
ritmo muy similar al de la cueca pero con instrumentos electrónicos y secciones
instrumentales que fácilmente podríamos sacar de un disco de rock, como son las
líneas de Bajo y guitarra. otros puntos a destacar son los cánticos a dos
voces, el trabajo vocal, para mi gusto, de los mejores y el toque que le dan
los instrumentos de viento, originarios
del folclore andino
Sin duda la mejor cuenca con sintetizador de la historia.
Maestría en Post Rock
Para terminar con esta lista. Una delicada
obra de arte es Grow Till tall de islandés Jonsi, más conocido por su trabajo
con Sigur ros
Es una pieza cargada de emociones. Que comienza con la aguda
voz de Jonsi, con un teclado de fondo. Esta introducción es bastante larga,
prolongada por al menos 4 minutos y medio, hasta que por fin podemos oír la
entrada de los demás instrumentos, como el bajo (de forma muy tenue) y la batería
en una especie de marcha. Todo esto se mantiene considerando lo minimalista que
es la música de Sigur Ros (ya que Jonsi es el principal compositor y su trabajo
solista es muy similar) y la intensidad de la música aumenta a medida que
avanzan los segundos. Hasta que a los 8 minutos llegamos a un verdadero Orgasmo
musical lleno de energía que finaliza abruptamente con un silencio sostenido.
Así termina lo que fue parte de mi playlist durante mis
vacaciones, espero que les guste, y decir que después de esto, volveré a hacer
los review de discos en su total integridad.
Decir también que esta no será la única playlist que
realizaré. tal vez, más adelante aportaré con otras. Todo depende.
Dejaré aquí la lista de las canciones antes mencionadas con
sus respectivos interpretes, Saludos!
